Oigan, he estado pensando seriamente abrir un curso de matemáticas elementales para músicos. Ya ven, primero los muchachitos de Radiohead salen con la nueva de que 2+2=5, y ahora el ratón más mariguano del mundo (que no es Mickey Mouse), sale con la chalada de que 4x4=12.
4x4=12, es el título de la nueva producción de DeadMou5. Debo confesar que hacía ya un buen tiempo, que un disco no me ponía en el mood brincador y visitador de raves. 11 temas con una excelente sincronía y un viaje bien dirigido hacia los colores del electrónico de mejor calidad. Este ratón canadiense bañado en LCD ya era considerado como uno de los mejores Dj’s, pero con este material, sin duda, confirma lo que muchos incrédulos negaban (yo entre ellos). Desde los primeros beats de Some Chords, hasta la última descarga de Everithing Before, los mantendrá en una euforia impresionante. Lo que más disfruto de este disco, son los arcos melódicos, los vayvenes sonoros, porque no todos los Dj,s entienden que un tema en mid tempo, también puede prender a la banda. Gran disco para estas fechas donde no sobra el material para bailar… y para ponerse pacheco, así sea con ponche. Raise your weapon es sin duda el mejor corte, aunque Animal Rights, I Said, Sofi Needs a Ladder no son menos.
Yo se que la vida vuela en círculos, pero a veces pasan demasiado cerca de otros, de tal manera que se funden y confunden las historias. Sean Lennon y su novia Kemp Muhl, lanzaron su primer disco como banda/duo, afortunadamente no se llaman, Plastic Ono Band, aunque el nombre no deja de ser menos... digamos extravagante: The Gosth of a Saber Touth Tiger (GOASTT). Su álbum debut fue lanzado oficialmente a finales de octubre y a México viene llegando.
Titulado, simplemente Acoustic Sessions, este disco de apenas 9 temas, es una clara influencia del nicho imborrable que su padre y madre ejercen en este músico, que nunca podrá volar con alas propias. Las referencias lo seguirán irremediablemente, pero con todo, logró un disco bastante disfrutable. De temas tranquilos y relajados, todos las canciones descansan en un folk suave, matizado de texturas y ambientes, que parecerían sacados de una sesión de Feng Shui (pero la verdad es que estan bien chidas). Todo esta dispuesto para tirarse en un sillón y escuchar este material. Las canciones tienen a parecer planas, puesto que navegan sobre la misma línea melódica y se vuelve algo repetitivo. Las letras, llenas de imágenes surrealistas, con figuras simples y nada pretenciosas, son bastante dignas: Jardin du Luxembourg, Shroedingers Cat, Robot boy y Songs for James, son temas bastante buenos. Dark Matter da la impresión de estar escuchando una canción de cuna bastante lúgubre, pero sin duda The world was made for me se lleva las palmas. En el mes más sórdido del año, le pueden regalar este disco a cualquier fan de Lennon (padre) y seguro lo agradecerá y si deciden comprarlo para ustedes, también lo van a disfrutar bastante, es un disco excelente para cuando están escribiendo.
Hace unos 15 días, quizá más, estaba en mi casa, lleno de insomnio, cambiando canales de televisión sin apetito por ninguno. Todos sabemos que es eso. Cuando me encuentro a Patti Smith con Flea, hablando, compartiendo anécdotas… digamos de forma fluida. Me apure a averiguar que era eso, y descubrí que era una película titulada: Patti Simth: Dream of Life. Faltaba poco para que terminara y decidí no seguir viéndola. Para que querría yo ver solamente el final, mejor conseguirla y verla completa. Cosa que sucedió esta semana.
Patti Smith: Dream of Life es una película dirigida por Steven Sebring filmada durante una gira que hizo (Patti) junto a Bob Dylan, después de 16 años alejada de los escenarios. La película fue estrenada en el 2009 y a lo largo de sus 105 minutos, Patti nos cuenta su vida, desde sus primeros pasos, hasta su llegada a Nueva York. Sus relaciones, su ideología, su forma de ver la vida, en suma: su sensibilidad. Plagada de anécdotas al lado Dylan, Ginsberg, Burroughs y toda la contracultura americana, sus influencias que van de Rimbaud, Baudelaire a Picasso y Polloc, todo para mostrarnos a una gran artista.
Lo más rico de esta historia, es que podemos ver a la mujer, en su inmensa fragilidad y fortaleza, al lado de sus padres, en su papel de hija; con sus hijos, en su papel de madre; con sus amigos, en su rol de confesora, en las manifestaciones, en su deber de ciudadana del mundo.
Sus viajes, París, Israel, etc. Visitando las tumbas de sus ídolos, desde el sepulcro de Blake, hasta el de Rimbaud. Mucha gente desfila ante la cámara: Michael Stipes, Thom Yorke, Bono, son solo algunos. Y lo mejor, por supuesto, su música, sus presentaciones, sus lecturas de poesía, su llanto y si, otra vez, su espíritu sensible, su fragilidad de ser humano: su ser mujer.
Este vez seré breve, nada que pueda decir significaría un aporte. Mi relación con Lennon, con su música, que al final es la mejor manera de conocer a un artista, se da en mi primera infancia -ahora a mis treinta, vivo la tercera al lado de mi hijo-, mi padre era admirador de Floyd y The Beatles, por supuesto de la carrera de Lennon en solitario. Si bien, alguna vez lo he comentado, mi padre era seguidor de Harrison, siempre siguió la carrera del más complejo de los cuatro. Ahora al lado de mi hijo, comparto algo que heredé y que continuará hasta que todas las estirpes condenadas a cien años de soledad, desaparezcan de la tierra; y si bien mi hijo ahora participa de una fascinación por Gorillaz y en su mágico lenguaje de tres años, lleno de misterios y maravillas, reconstruye esas canciones animadas por dibujos, al grado de que un servidor ha aprendido a disfrutarlas, pese a sus múltiples repeticiones diarias, de manera constante me pregunta por los figuras que pueblan las paredes de mi estudio. The Beatles, Pink Floyd, Radiohead, Metallica, son algunos de los nombres, que acompañados de sonidos, musicalizan el imaginario de este ser amado por mí.
Esta semana (8 octubre, 1980 -como si no lo supieran) se cumple otro aniversario de la muerte de Lennon. Treinta ya, treinta años sin su genio. Treinta años sin escuchar su voz viva, porque la escuchamos a diario en sus grabaciones. Esta vez, sólo quiero invitarlos a escuchar el disco Double Fantasy, que considero es el más rico en todos los sentidos, de su carrera solista. No puedo decir que es el mejor, carezco de elementos; podría enumerar éxitos del disco, y los éxitos de los otros me reclamarían atención, podría también decir, que este disco posee himnos, pero los demás también. De tal forma que sólo puedo decir que nos sentemos a ver girar y girar las ruedas...
En lo personal, debo confesar que uno de mis géneros musicales favoritos es el Trip-Hop o Acid-Rap o Bristol Sound, como lo quieran llamar. Desde que descubrí, hace ya muchos años, a Posrtishead y Massive Attack, no he podido dejar de escuchar esta música. No puedo dejar de lado a Unkle, cuya canción Rabbit in your headlight (Psyence Fiction), teniendo a Yorke como vocalista me fascinó, ni a Lendi Vexer, uff!!! que buena es la Vexer. Ya les hablé hace poco del reciente disco de Unkle, y revisando las visitas al blog, me he dado cuenta, de que hay mucha gente siguiendo a esta banda.
Este mes me vi sorprendido por dos discos It takes a thief, de Thievery Corporation, mezcla Trip-Hop y música electrónica; disco de éxitos, del cual no profundizare, porque no me late hablar de discos compilatorios. Mejor, tomen sus discos y hagan su propia lista en su IPod, quemen un disco o lo que sea. Ya me imagino que un par dirá “pero hace poco este wey escribió sobre un disco de éxitos de los Black Crowes (Croweology), si pero en su momento expliqué por qué.
El segundo disco, motivo por el cual estoy ahora escribiendo es el Mixed Race de Tricky. Fuera de su primer disco (maxinquaye (2005)), Tricky nunca ha sido de mis favoritos, sus anteriores producciones (Vulnerable (2003), y Knowle West Boy (2008)), ratificaban mi desapego. Afortunadamente suelo no tener prejuicios y aunque no me guste un artista suelo escuchar sus discos nuevos, la devoción pertenece a las religiones no a la música, claro acepto tener ciertos prejuicios, y aunque reconozco que un par de bandas deben tener algo bueno, las detesto prejuiciadamente (The Doors, Nirvana, U2). Pero ya estoy divagando mucho; Mixed Race es un buen disco, una de las razones por las que no me identifico tanto con el sonido de Tricky, es por su cercanía al rap gagnster, y mientras alimenta los prejuicios y los estereotipos propios del género (y de los que tanto se quejan… pobrecitas victimas) siento que se aleja de la universalidad del sonido de Bristol. En este disco recupera las raíces y nos entrega un material digno de escucharse, tiene momentos de ese rap del que tanto gusta, pero canciones como Kignston Logic o mi favorita Hakim, suenan a un Massive Attack muy fino. Come to me y Every Day, son otros de los temas de gran calidad. Lo único que si lamento es la corta duración (nunca creí decir esto de un disco de Tricky), apenas alcanza los 29 minutos. Si alguno de ustedes es fan de Tricky y discrepa de mi opinión… pues que bien y si no lo son… denle una oportunidad a este material.
Hace más de 20 años se formó, en Naucalpan, Estado de México el cuarteto más grande y más influyente de la historia del rock nacional y latinoamericano, y uno de los más propositivos de la escena internacional. Cuando estos tipos, de imagen disparada, tocando instrumentos acústicos aparecieron por primera vez, hubo un gran revuelo. Bandas como Caifanes eran las más abrazadas en México. Soda Estéreo y Héroes del Silencio saturaban las pocas estaciones de rock en español del país.
Con una mezcla de música folclórica y rock, plagado de letras con una notoria influencia mestiza, empezaron a trazar su largo camino. Café Tacvba, disco homónimo lanzado en 1992 marcó toda una tendencia sonora que hasta le fecha sigue siendo el sello con el que se les identifica, no obstante hoy estén muy lejos de ese sonido. Rarotonga, Las Batallas (inspirada en la célebre novela del escritor José Emilio Pacheco: Las Batallas en el desierto), Las Persianas, La Chica Banda, Labios Jaguar y la exitosísima María, empezaron a competir con las bandas establecidas (Caifanes, Fobia, Maldita Vecindad, etc.) en la venta de discos.
Re, su segunda producción (1994) lanzó a esta banda a la fama internacional, fama que ha seguido creciendo desde entonces. Ahora dispuestos a retratar todo lo que los influenciaba del México moderno, hicieron un disco que suena a México, así sin más, desde Tijuana hasta Mérida están retratados en este disco, Hard Core, Danzón, Rock Alternativo, Tríos, Banda, Música Norteña, todos los estilos en perfecta armonía. Letras sobre la alienación, el abandono social, amor y desamor carente de clichés narrativos, nacionalismos bien pensados, humanismo puro. Canciones que hoy son clásicos de todos y en todos lados, increíble ver a japoneses coreando El Baile y el Salón por su gira en ese país. Ingrata, El Borrego, Trópico de Cáncer, Ixtepec, Las Flores, Esa Noche, La Pinta (mi favorita), La negrita y tantas más. Un disco infaltable en la discoteca de cualquier amante de la música.
Avalancha de Éxitos fue su tercer material (1996). Dejando atrás el sonido mexicano, se expandieron en busca de un sonido de unificación generacional latinoamericana, desde Leo Dan y Juan Luis Guerra, hasta Jaime López, Botellita de Jeréz y Nacho Cano. Boleros, Bachata y Rock Urbano, todos en perfecta sincronía, todos repensados para nuevas generaciones, todos éxitos (de ahora en adelante) propios. Chilanga Banda, Metamorfosis, Pérfidia, Ojalá que llueva café, Cómo te extraño, No Controles y Alármala de Tos, fueron los temas que mostraron que esta banda, ya no era mexicana, sino que le pertenecía a todos.
Revés/Yo soy (1999) fue su cuarta producción (mi favorita). Un disco que mostraba que la banda estaba dispuesta a todo, menos a estancarse. Un álbum experimental que anticipa y quizá supera, consciente estoy de lo arriesgado de esto, a los discos Kid A y Amnesiac de Radiohead. Disco doble, el primero (Revés) en su totalidad de temas instrumentales, que van desde el electrónico más notable, lleno de tintes de jazz y música mid tempo, hasta un dueto con Kronos Quartet. El segundo (Yo soy), de temas universales y una sensibilidad musical y vocal como nunca se habían visto en nuestra música. Sin duda alguna el disco que valió el reconocimiento de la crítica a nivel mundial. Los Beatles latinoamericanos se decía en Inglaterra. Una banda universal, para un público universal.
A esto le siguieron un disco de éxitos (Tiempo Transcurrido (2001)) y un Ep (tributo a la banda chilena Los Tres, llamado Vale Callampa (2002)). Una gira por todo el mundo y la preparación de su quinto material de estudio: Cuatro Caminos.
Haciendo una pausa en su camino, este disco (Cuatro Caminos (2003)) se volvió, lo que hasta ahora se conoce como su álbum más íntimo. Letras sumamente personales y de visión profunda, ahora era una banda dispuesta a reflexionar sobre problemas humanos. Mediodía, Recuerdo Prestado, Encantamiento Inútil, Qué Pasará, Puntos Cardinales, la sonadísima Eres (primer éxito comercial de la banda), Eo y Cero y Uno son sólo algunos de los temas que se incluyen en esta producción. De un sonido más cercano al Hard Rock y al Rock Alternativo, este disco los llevó al Grammy a tocar a dueto con Incubus (banda que se ha declarado fanática de los satelucos), festivales, etc.
Dos discos en vivo fue la consecuencia de esto, un unplugged que si bien se había grabado muchos años antes, no fue sino hasta el 2005 que se lanzó de forma oficial y el disco/dvd Un Viaje (2005), concierto dado en el Palacio de los Deportes de la ciudad de México con motivo de sus 15 años. Esto es impresionante, todo este recuento parecería la trayectoria de alguien más viejo, pero apenas llevamos 15 años.
El 2007 fue el año de la sexta producción de estudio de los Tacvbos. Su disco Sino fue otra vez motivo de halagos y reconocimientos mundiales. Esta Vez, Volver a Comenzar, Quiero Ver y tantas más, himnos de la banda desde el momento en que se lanzaron. Sino es un disco que coquetea tanto con el progresivo, como con el punk y el pop, que locura, cualquiera diría que ese revoltijo es producto de la maldita necesidad de las disqueras por generar más y más ingresos, creando bandas que son mezcla de todo y que suenan a nada, pero no; en este caso, es el resultado de 4 de las mentes más creativas de los últimos 20 años de la historia de la música moderna.
Un repaso a todo esto se encuentra el la película Seguir Siendo que se estrenó hace unos días en todo el país. Desconozco si la película se exhibirá en todo el mundo, pero supongo que si lo hará. Escenas de sus primeras actuaciones, memorabilia, entrevistas de carácter muy personal, confesiones desgarradoras. Escenas de sus diversas giras, todo sobre la producción del álbum Sino, particularmente de la canción Esta Vez, desde que el tema ni siquiera estaba incluido en la selección de temas, hasta que ganó el grammy como mejor canción rock. La información que se presenta es muy valiosa, reconozco que está mal presentada porque carece de forma, la edición también deja que desear, pero al final no importa, porque lo que realmente vale la pena, es el reconocimiento absoluto de que en la actualidad y en la historia de la música, Café Tacvba está sentado al lado de bandas como Pink Floyd, The Beatles, Led Zepellin, Radiohead, y un corto etc.
Este mes la verdad es que ha sido muy pobre en cuanto a nuevos lanzamientos refiere, y como la verdad no pienso hablarles de discos que no tengan el más mínimo sentido, he decidido volver a las raíces. Highway 61 Revisited es el primer disco de rock (si podemos decir eso) de Bob Dylan y uno de los mejores discos de la historia. Hasta ese momento (1965) Dylan era considerado la voz de una generación hastiada y alienada, llenándola de himnos que no tiene caso enumerar, pero es en este momento cuando El Genio decide dar vuelta 180 grados y rehacer su carrera y con ello dar sentido y profundidad artística a lo que carecía de orden. Temas como Desolation Row, Tombstone Blues, Ballad of a thin man y la monumental Like a rolling stone, sirvieron como testimonio inapelable de que el rock también podía llegar a las élites intelectuales, que era el momento de que se le reconociera como lo que era: Arte.
Dylan es acaso el más grande compositor que ha dado la música contemporánea, pero no es sino hasta este disco cuando su particular figura fue reconocida fuera del Folk y el Country, los músicos con los que compartió ya le admiraban, respetaban e imitaban, pero cuando el tarolazo inicial de Like a rolling stone se escucha, uno sabe que es el inicio de una canción y de un disco y de una era, que cambiarían por completo la forma de componer, pensar, grabar y mostrar la música en el mundo.
Me voy a meter en camisa de once varas, ya lo se, pero quiero agarrar el toro por los cuernos. El Blues no es lo mío y aunque lo disfruto de un tiempo para acá, quién diablos soy yo para hablar de él, bueno quién diablos soy yo para hablar de cualquier cosa, pero qué carajo, por eso estamos en el único medio democrático. Clapton reapareció con un disco titulado Clapton… (¿?) lo mismo pienso yo, para que complicarse la vida con títulos complicados a estas alturas de la carrera, total, como si hiciera falta decir más que su nombre para saber de que estamos hablando.
Antes de comenzar, debo confesar que con este disco cometí un error, que fue pedirle opinión a mi amigo Raúl Valencia (Fotógrafo), que es el biggest-true-Clapton-Fan que conozco, su opinión acerca del disco antes de que su servidor lo escuchara. “Demasiado sobrio”… fue su respuesta. Eso se saca uno por andar preguntando o en su defecto leyendo a tipos en un blog cualquiera. ¿Demasiado sobrio? ¿Qué carajo quiere decir eso? ¿Es bueno? ¿Es malo? En fin, lo cargue en mi IPod y me salí a caminar para escucharlo completo. Regrese y me puse hacer cualquier otra cosa y por la noche lo puse de nuevo. Los escuche en orden aleatorio en el carro y en fin, he aquí mi conclusión.
Es un disco muy rico en sus texturas, de una producción simple aunque no menos fresca. Se bambolea suavemente del Jazz al Blues igual que una falda y unas piernas de ébano en el medio de la Habana. Coquetea con los tiempos, le guiñe a los compases y cuando uno espera el solo prodigioso, simplemente aparece un suave rasgueo, casi sin querer, a manera de susurro, en una mandolina (Hard Times Blues). De Irvin Berlin a Louis Armstrong, de los estallidos de Jazz de J.J. Cale al Blues más raso de B.B. King. That's No Way To Get Along, Milkman y Autum Leaves se llevan las palmas. Y ya carajo, es Clapton que más quieren.
Esta semana me tarde un poco, ya se, pero fue por motivos estrictamente literarios. En fin, a darle. Esta semana toca el turno de la banda mexicana Hello Seahorse. Lejos, no tan lejos es su tercera producción, completamente independiente. Este trió ha experimentado desde el inicio con los sonidos y los idiomas y este, que en teoría, debería de resultar su mejor disco hasta el momento, dado que por fin habían encontrado un sonido y una formula que los identificaba claramente, en mi gusto, se torno plano. Da la impresión de estar escuchando las misma canción en todas las ocasiones. Su calidad es indudable, es un buen disco, sólo que carece de aquellos momentos sorpresivos de sus producciones anteriores, particularmente con Bestia, disco que los proyecto a la fama.
Todas las canciones están impregnadas de un hálito melancólico delicioso, la voz de Lo Blondo esta mejor trabajada, hay avances notorios en la concreción de las ideas, las formas están mejor logradas y existe un hilo fantasmal en todas las historias que se narran en este disco, luchas internas, catarsis elementales, nada más, que a mi gusto, el sonido experimental de la banda que me enamoró hace un par de años, hoy esta más plano que nunca.
Que tal, espero les este yendo leve y que hayan escuchado buena musiquita esta semana, yo por mi parte me clave de más con el Kid A y no le he soltado, pero además de ese disco, hay otro que no puedo soltar y es el disco Amador de Adanowsky o Adán Jodorowsky como lo conoció el mundo. Este disco ya salió hace un par de meses y desde que lo escuche me encantó, sólo que por aquellos días, digamos que fueron otras las prioridades. Adanowsky yo lo conocí en el programa Noches Blancas de televisión española, programa que conduce Fernando Sanchez Drago. En fin, el caso es que en aquella ocasión me llamó demasiado la atención su forma de pensar la música, de interiorizarla, y decidí buscar su primer disco, editado en Francia y en México, los detalles de ese disco los omito por parecerme de más, nada más apunto lo evidente, la versión francesa es cantada en su totalidad en francés, salvo por un par de tracks y viceversa. ¿A que suena el disco El Idolo? A bar francés de los 30's, con orines y cerveza; el Jazz marca la pauta de esos sonidos. Un personaje celebre y admirado encarnado por Adán nos lleva a pensar la fama de distintas formas.
Para este disco (Amador), Adanowsky dejó el sonido Jazz y se abrazó del Bosanova como principal influencia. Únicamente editado en México aunque no abandona los temas en francés y una canción en inglés, el resto cantado sensiblemente en español. Amador es un álbum que suena a Brasil pero sabe a México. Tiene todo el desprendimiento desgarrado, doloroso, tajante, brutal, de la música vernácula mexicana. Es claro que se sentó a ponerse un par de pedas escuchando a José Alfredo Jiménez en medio de un carnaval en Río. Me siento solo, Amor sin fin, Dime cuando, Niña roja y Un sol con corazón (mi favorita), son esas canciones tan románticas, pero nada cursis, que invitan a llevar a la chica, no a un restaurante caro, ni al gran fin de semana en un risco en Grecia (aunque no esta nada mal esa idea), sino a la intimidad de la sala, a palabras al oído, a café con leche bajo las sabanas y una película en blanco y negro. Este disco, sin duda, lo van a agradecer mucho las mujeres, porque ya una amiga me dijo que además de talentoso, el Adanowsky esta bien bueno (cito textualmente a Keith).
El pasado 2 de octubre se cumplieron 10 años del lanzamiento de uno de los discos más representativos de todos los tiempos. Cada cierto tiempo surgen artistas, canciones o discos, que le dan la vuelta a todo, que destruyen todo lo hecho hasta ellos, sin olvidar y más bien, reconociendo, pero dando (por fin ) el siguiente paso. Cuando no fue Elvis, fue una canción de Dylan (Like a rolling stone) o un álbum de The Beatles (Sgt. Pepper and the lonely hearts club band) o una banda Pink Floyd y su monumentalidad, en todos los sentidos, sonoros (Echoes, The Dark Side of the Moon), visuales (The Wall), composiciones (Arnold Lane, Interestellar Overdrive, etc.).
La vorágine musical de los sesenta, hizo que los setenta crearan un huracán que arrasaba todo a su paso, dejando todo patas para arriba, dando pié a cosas completamente nuevas, desde el Hard Rock de Zeppelin, el Rock Progresivo de King Crimson, el Metal de Black Sabbath, los ya mencionados Pink Floyd, todos influenciados directa o indirectamente por sus antecesores y más allá, el Blues y el Jazz siguen presentes. Toda la década de los ochentas cayo en un remolino que succionaba todo y no devolvía nada; e igual que las grandes tormentas, después de que las olas azotan las costas, traen consigo grandes deshechos, basura recogida en el mismo fondo del océano: Poison, Ratt, Mötley Crue, Skid Row, Bon Jovi y un desafortunado largo etc. Metallica rescata todo lo verdaderamente esencial de la música, mientras Guns and Roses encausa el sentido del Glam Rock a puertos más creativos, ¿como lo hizo?; volviendo al Blues y dejando que el Hardo Rock de bandas como Zeppelin los influenciaran y no las latas de fijador de cabello y la ropa de puta barata de Sunset Boulevard. El Punk muestra su verdadera cara, lo efímero de su compromiso, sus ganas de parrandear son legitimas, pero a los que amamos la música, no nos puede molestar más, que pendejos que toman esto que es realmente importante, como pretexto para ponerse pedos y hasta la madre de drogados (Doors, Sex Pistols, Ramones) con la tremenda excepción de Janis Joplin, un desafortunado personaje lleno de talento.
Jane's Adiction y Pixies, marcaron la nueva tendencia. Estos últimos marcaron el nuevo camino de la música. Sin duda la banda creadora del sonido Quiet-Loud-Quiet; abrieron una brecha que pocos habrían de llenar. Tomando la fuerza musical de los Pixies y la furia sin sentido del Punk y la honestidad de gente como Paty Smith, el compromiso político proveniente del desencanto, dieron a la luz un nuevo sonido conocido como Grunge. Nirvana siendo su máximo exponente (muy a mi pesar), lidero una nueva generación de inconformes, de insatisfechos. Pearl Jam, Soundgarden, The Smashing Pumpkins, Alices in Chains, Stone Temple Pilots, etc. Mientras en Inglaterra se gestaba con los mismos ingredientes otro tipo de platillo; Pj Harvie, The Clash, The Smiths, gestaban el Indie Brit con bandas como: Osasis, Blur, Suede y los Stone Roses. Alejados de este sonido o tal vez a la mitad de las dos tendencias entra en escena la banda que cambiaría todo: Radiohead.
Esta quinteto de Oxford toma a los Pixies como principal referencia musical y a Pj Harvey en su sentido de alienación, la literatura de Douglas Coppland y lanza su primer álbum: Pablo Honey en 1994. Un disco lleno de éxitos como I Can't, Lurgee, Anyone can play guitar, pero fue Creep la que se llevó toda la atención. Éxito inmediato, a pesar de ser una banda de bajo perfil. Los reflectores presenciaban una falsa contienda entre Oasis y Blur, que bien pudo ser la de Britney con Christina, la publicidad tendenciosa siempre ha estado inmiscuida en la música. El segundo disco de Radiohead (The Bends, 1995), cerró de un sólo golpe a todos los críticos que aseguraban que estos niños, pronto se unirían a las huestes de las one-hit-wonders. The Bends es una gloria de los noventas, disco de cual David Gilmur se declaró fan. Y llegó el momento de la primer gran muestra del talento de estos chicos con su tercera producción: Ok Computer lanzada en 1997. La recepción fue gloriosa, no había nada ya que demostrar, el nombre de estos genios, podía ya ponerse al lado de los nombres que forjaron, con no poco esfuerzo, la historia del rock. Todo estaba ahí, las comparaciones no se hicieron esperar: el Dark Side of the Moon de los 90's, decían los críticos. Pero no fue sino hasta el año 2000 cuando acabarían por dominar el mundo.
Kid A es el resultado de toda la depresión de Thom Yorke, propiciada por la tremenda fama acumulada por sus tres trabajo anteriores. Todo se había ido a la mierda, ya no eran esa banda under y de bajo perfíl, ahora ganaban Grammys, estaban el los primeros lugares de los Billboards, todo el mundo los quería entrevistar, empezaban los escándalos sensacionalistas. Todo era precisamente lo que no habían buscado; el resultado: el aislamiento. Algo similar a lo ocurrido tres décadas atrás, cuando The Beatles decidieron no volver a tocar en vivo, para volverse una banda de estudio, que produjo los mejores discos de su carrera y varios de la historia. Igualmente Radiohead, decidieron que si habían de continuar, tendrían que dar un giro radical. Modificar sus métodos de composición, abandonar los instrumentos habituales, no fijar fechas de entrega, prohibido lanzar algún sencillo, nada parecido a un video. En suma, hacer todo para ser odiados; el resultado: uno de los mejores 20 discos de la historia, al menos para mí, Rolling lo colocó dentro de los primeros 500, pero tiene al Dark Side en el 43, así que no le hago, caso. Hubo quién comparó toda la producción y la esencia del disco con el Zoorapa de U2, yo digo que ni siquiera existe la comparación.
Desde Aphex Twin, hasta Miles Davis están presentes en este disco. Yorke, harto de su voz y del sentido simple de su uso, decidió modificarla electronicamente y utilizarla como un instrumento más. De letras mucho más abstractas y poniendo todo el énfasis en las texturas sonoras, lograron, lo que para mí, es el primer disco del llamado Post-Rock. De sonidos minimalistas hasta la saturación cacofonica, de las Ondas Martenot, Pro Tools, Vocoders y Cubase a Arpas, contrabajos, metales y cuerdas. De la simpleza de "How to disappear completly" (canción que Yorke ha considerado su mejor trabajo) a la complejidad y monumentalidad de "The National Anthem", de la alienación de "Idioteque" a la belleza sublimada de "Everything in it's right place", de la experimentación radical en "Kid A" a la improvisación de "Motion Picture Soundtrack".
Este disco fue lanzado simultáneamente en Napster, muchos años antes de "In Rainbows" y su revolución en la forma de distribuir música. De las sesiones de Kid A, surgieron más de 30 canciones, pero reacios a producir un disco doble, rescataron muchos de los temas para el disco Amnesiac. Estos discos aún así guardan toda la esencia de los hermanos gemelos separados al nacer y reunidos en el tiempo, caso similar a los discos Rubber Soul y Revolver.
10 años de experimentar, 10 años de haber tomado por asalto el mainstream y decir que la música de calidad también puede ocupar los primeros lugares, apropiarse de la escena que les pertenece. 10 años de marcar los caminos de la industria a pesar de ella y ahora, incluso sin ella. 10 años de Kid A, el adolecente más maduro de la historia.
Yo, la verdad, espero que la tercera no sea la vencida, ya que los hermanos Robinson planean separarse por tercera vez. Y es que esta banda en lo particular me trae gratos recuerdos juveniles. Mientras mi mente (y la de todos) estaba completamente alienada con Pearl Jam y Smashing Pumkins, mi amigo Ángel se acercó a mitad de un día de clases y me dijo que había adquirido un disco que me iba a encantar. Al salir de clases nos dirigimos a su casa, donde en aquel entonces ya tenía una gran colección de discos en su cuarto, ni decir la que tiene el día de hoy. El punto es, que apenas cruzamos la puerta de su cuarto, prendimos el aparato de cd, que eran una novedad en aquellos lejanos noventa, y puso el disco The Southern Harmony and Musical Companion de The Black Crowes, donde venían temas, hoy clásicos, como Remedy y Sometimes Salvation. Con el tiempo a Ángel le dejaron de gustar, al grado que me vendió su disco, yo por mi parte me hice a la tarea de conseguir el primer disco (Shake your money maker 1990) y seguirlos. Después de que editaron su disco Live at the Greek en el 2000, mientras abrían giras para Jimmy Page, les perdí la pista. Hasta ahora...
Croweology no es nada más un disco de grandes éxitos, nos da más a los largo de los 20 temas, casi todos acústicos, es un disco pensado en satisfacer a los verdaderos fans de la banda. Casi todos los discos compilatorios son armados por las disqueras teniendo como único criterio, los temas más radiables, cosa que bien sabemos, regularmente no son los mejores, seamos claros, Bad Romance de Lady Gaga se a tocado en el último año más veces que Creep, Karma police y There There, de Radiohead juntas, y ni de broma se les acerca en calidad. El punto es, que todos los temas incluidos en este disco, vienen en versiones (como ya lo mencioné) acústicas, teniendo en cuenta que los Black Crowes siempre estuvieron influenciados por la música de los 70's, no es resulta extraño que estos temas sean muy cercanos al blues, pero el punto crucial es que todos los temas fueron grabados en vivo en el estudio, esto puede resultar redundante, todos los temas se graban en vivo en un estudio, sí es evidente, pero no todos se graban con público y con la banda al unisono, eso es lo que nos da el extra, son temas que la banda, primero; disfruta tocar y segundo, son lo temas que verdaderamente son éxitos y no las canciones de MTv.
De antemano se que este disco ya tiene un tiempo que salió, pero bien vale la pena revisarlo, es el disco The Wild Trapeze, de Brandon Boyd, vocalista líder de Incubus. Este disco no es diferente al sonido que ha caracterizado la trayectoria del californiano, aunque si es un poco repetido, me da la sensación de escuchar una y otra vez canciones como Drive o Nice to know you, o esas baladas funk/metal que tan bien caracterizan el sonido de Incubus. Todas las incfluencias de Boyd siguen presentes, Deep Purple, Red Hot Chilli Peppers, Faith No More, etc...
Todas las canciones de The Wild Trapeze son baladitas que comienzan con un sencillo rasgueo de guitarra acústica (y si me apuran un poco, todas están en el mismo tono), para después explotar en esa poderosa voz y guitarras, sí vamos a extrañar el poderoso bajeo de Ben Kenney, pero las canciones siguen bien logradas. Temas como The Wild Trapeze, Runaway train (que es el primer sencillo del disco y nada tiene que ver con aquella canción de Soul Asaylum) y Dance While the devil Sleeps, los pondrán a gritar como suele hacerlo cualquier baladita de Incubus.
Con la nueva noticia de que Robert Plant regresa después de tres años de no grabar nada. Se de antemano que no soy el único que espera con ansias un reencuentro con Zeppelin, pero eso es casi seguro que no se dará. Band of Joy es el nombre del nuevo disco de Plant y surge de una banda anterior a Zeppelin en la que él cantaba. No hay nadie de aquella vieja alineación en esta, sñolo el sentido de goze que transmite.
Band of Joy es esencialmente un disco de blues-country-música-sureña-americana, con algunos tintes britanicos. 12 temas perfectamente escogidos de todos los tiempos, desde clásicos como You Can't buy my love de Barbara Lynn, Angel Dance de Los Lobos, House of Cards de Richard Thompson, Falling in Love Again de The Kelly Brothers e incluso dos temas de la banda indie Low, Monkey y Silver Rider.
Todos los temas están extremadamente cuidados, nada hay fuera de lugar, la mezcla impecable, la producción es inmejorable, la voz de Plant esta increíble, es un hecho que ha alcanzado una madurez innegable, sabedor de que ya no son los años de dar aquellas notas capaces de destrozar la vajilla más costosa de la reina, se dedica a armonizar y en ocasiones a susurrarnos al oído frases hermosas. Lo más recomendable del disco sin duda es Falling in Love Again y Satan your Kingdom must come down. Este sin duda es otro de esos discos para escuchar en el auto, con las bocinas a todo volumen.
Santana regresa con nuevo disco bajo el brazo. Habían existido rumores de que vendría un disco de covers plagado de éxitos de los 60's y 70's pero nada concreto, hasta hace apenas unas semana que empezaron a surgir ya nombres concretos y todo sonaba muy bien: imaginen nombres como The Beatles, Hendrix, Clapton, Rolling Stones, AC/DC, T.Rex, Doors (no todo es perfecto) y más, además de nombres como Chris Cornell, Scott Weiland, Rob Tomas, Joe Cocker entre otros encargados de cantar todas las versiones, que ya se han de imaginar, en ese sonido que tan bien caracteriza a este legendario guitarrista.
La mayoría de las versiones que vienen en The Guitar Heaven, están bien, aunque todo mundo tendrá su opinión. En estos temas es mejor no meterse porque hay mucha gente muy azotada que piensa que ciertos temas son intocables, y pues la neta no comparto del todo; por ejemplo, cuando escribí sobre el disco Dark Side of the Moon, de los Flaming Lips (ya se que es de Floyd, me refiero al disco tributo) más de cuatro me cayeron a mentadas de madre. Claro que el original es mejor, pero eso no lo hace intocable, no mamen. Entonces se de antemano que a más de uno les van a salir ronchas cuando escuchen Back in Black de AC/DC en voz del rapero NAS, o la version laaatina de Sunshine of your love, pero la neta esa es una de mis favoritas junto con While my guitar gently weeps, puta le quedo bien chida; Whola lotta love esta bien sin más, Chirs Cornell le toca esa y lo hace bien. En general, un disco fresco, ahora que si no les late, bien pueden escuchar todas las rolas en sus versiones originales, yo lo hice porque escuchar todas esas canciones me trajo recuerdos muy chidos, excepto esa mamada de Riders on the storm que me caga, junto con todo lo que huela a Morrison. Ahí se ven pinches azotados, les dejo un link para que lo escuchen Santana: Guitar Heaven.
Trent Reznor regresa con este disco How to destroy angels, dejando atrás la era NIN (espero no definitivamente), al lado de su esposa Mariqueen Maandig. De lado queda toda la destrucción global y política de la que siempre ha protestado. How to destroy angels es un ep, bastante completo, lleno de ese sonido industrial al que tan acostumbrado nos tiene. Las letras exploran más los sentimientos humanos que sus consecuencias, la voz de Maandig es excelente, los arreglos impecables, ya conocemos la calidad de Reznor. Aunque si debo decir que más de una canción suena a variación de la otra, son buenos temas, aunque algo repetitivos en sus imágenes y sonidos. The space in between, Parasite y A Drowning, lo mejor.
La espera hasta diciembre, fecha en la que posiblemente salga a la venta el nuevo disco de Radiohead parece larga, y si bien Thom Yorke ha tocado en varias ocasiones Give up the ghost, tema que se desprende de dicho disco, del cual todavía no se sabe como se va a llamar, no es suficiente para mitigar la angustia. En el proceso Phil (bateria) ha lanzado un disco en solitario titulado Familial (les dejo el enlace para que lo escuchen en línea completo). Un disco de arreglos precisos y nada complicados, lleno de guitarras acústicas y una voz en perfecta armonía, letras agradables y un tanto pegajosas. No llega a ser un disco pop, pero si se acerca mucho al sonido fresco del brit pop, sólo que en ocasiones, los chelos y violines en el fondo de alguna canción, nos recuerdan que esto es parte de Radioahead y no alguna banda cursi como Coldplay o Kean.
The Ties That Bind Us, es una de esas canciones que nos llenan de nostalgia, igualmente Beyond Reason, temas que son apropiados para escuchar de fondo en un ambiente tranquilo. Debo confesar que desde que escuche este disco, no dejo de ponerlo una y otra vez cuando me siento a escribir, su atmósfera es ideal. De manera particular escuchen Broken Promises, una canción increiblemente bien lograda, de letra nostálgica, una voz impecable, uff... excelente canción. 12 temas en total, un buen disco, que ayuda a esperar el ansiado lanzamiento del 8 disco de estudio del quinteto de Oxford. Ahora a los amantes de Yorke tal vez esto les disguste, pero este disco es mejor que el Eraser, incluso más identificable con el sonido Bends e In Rainbows, en versiones acústicas. Este disco es un testamento fiel de que son 5 los genios de esa banda y no dos.
Debo confesar que estoy un poco decepcionado del último disco de The Chemical Brothers. Esa banda que me introdujo al mundo de la música electrónica en 1995 con su disco Exit planet dust, ahora no cansa de repetirse. Aquellos beats innovadores, plagados de originalidad –y si, aunque los roqueros lo nieguen-, y virtuosismo, hoy, (nuevamente) se repite. Further es un disco de apenas 8 temas, y eso no sería malo en esencia, existen discos con menos y que enamoran, el problema con este disco es que nunca termina por aterrizar ninguna idea. Empieza bien, con un intro rico titulado "Snow", para dar paso a "Escape velocity", donde empiezan los peros, la unión de beats entre el intro y el tema se lleva varios minutos donde no ocurre nada, para después de un rato surja, casi como sin-querer, una cajita de ritmos que bien podría usar Cotti junto con Paulina Rubio y Julieta Venegas, luego como que se arrepienten y sobrecargan el ritmo sólo para acelerarlo un poco, ya saben, se llama "Escape Velocity". "Disolve" y "Horse Power" son bastante rescatables, buenos temas, nada tampoco extraordinario, pero que nos permiten ver que el talento existe, sólo que lo muestran a cuentagotas. Lástima, tendré que esperar otro par de años a que los Chemical me vuelvan a sorprender. Pero tengo que aclarar que en lo absoluto es un disco malo, sólo que todos los tracks parecen mezclados en una pool party de Ibiza y no en un estudio de grabación, ya se que los temas improvisados ante la brincadera suelen ser más auténticos, porque sientes el latir del público extasiado frente a ti, pero cuando no lo tienes y caes en los juegos de la imaginación, es mejor planear las cosas y no hacer como que ahí esta la gente, digo, es una falta de respeto el poco profesionalismo que se le imprime a un producto que la gente va a comprara, y no muy barato que digamos. Pero dada la situación, me voy a escuchar el Exit planet dust, Surrender y porque no, el Discovery de los Daft Punk.
Las raíces, el fondo primigenio de quienes somos, la masa primitiva que nos compone; esos son los temas que hicieron que Korn recordara por fin el compromiso que tiene con sus fans originales, aquellos que le dieron la base para construir el imperio que son hoy; una de las bandas de metal más respetadas de la actualidad.
Aunque reconozco que 3 no son 5 y que esto apenas se parece a Korn. Esto -también hay que aceptarlo- es un regreso tardío, pero regreso al fin, Jonathan ya no tiene la misma fuerza vocal, pero lo suple con experiencia interpretativa, Fieldy le vuelve a pegar al bajo con aquel antaño rencor y su sonido metálico nunca ha sido tan esperado como ahora y Monky da su resto en una guitarra bien lograda. El primer paso de este esperado regreso de muchos años en donde vagaron por la indecisión y la búsqueda de identidad perdida en nichos que no eran suyos, fue volver a trabajar con Ros Robinson, su primer productor y mente maestra detrás de todo el sonido del metal de los noventa. Robinson es responsable -entre otros- de los primeros álbumes de Korn, Deftones, Slipknot, etc. Ahora es Roadrunner su disquera dejando atrás años de trabajo con Epic.
III Remember who you are? es un disco bien equilibrado, 11 temas duros y de letras introspectivas que nos recuerdan al doloroso y angustiante sonido de Korn y Life is peachy, tal vez de ahí el nombrar al disco tercero. Oildale (leave me alone), Fear is a place to live y Are you ready to live?, son canciones que nos hacen recordad por que amábamos a Korn los que -como yo- habíamos dejado de comprar sus discos, después de tanta decepción.
Imaginense ustedes, andaba yo por ahí, vagando como de costumbre, consumiendo el tiempo o dejando que el tiempo me consuma a mí, cuando veo una portada ochenterisima con una calavera increíble y una pistola acompañada de un racimo de rosas. Me acerqué y vaya sorpresa, nuevo disco de Guns and Roses. Primero -los que somos fans por supuesto- esperamos años y años en que saliera el anunciadísimo Chinese Democracy -nunca he esperado más un disco tan malo- y de pronto, como sacado de la chistera, sale nuevo disco, y doble por cierto. La conmoción pasó cuando vi que era un disco recopilatorio, de inmediato saltaron a la vista Welcome to the Jungle, Sweet child o'mine, Mr. Nightrain y otras, pero también un par de canciones de Bon Jovi -vomitivo-, Aerosmith -pasable-, y Def Leppard -sin comentarios-, además de una larga lista de canciones pertenecientes a bandas anteriores de ellos, tales como: L.A. Guns y Hollywood Rose.
Acto seguido, a escuchar el disco. Family Tree incluye versiones nuevas y otras remasterizadas, sonido bastante decente, invitados a escoger; desde Roger Daltrey hasta los Sex Pistols, participaciones de Gilby Clarke, Duff McKagan y el mismo Slash. Quizá lo más destacado sea la canción Nice Boys, donde la alineación original se reúne nuevamente. ¿Será un preámbulo para un anunciado regreso? Todos siguen diciendo que sería chido, pero que no gracias. Habrá que esperar. Por lo pronto este disco no es ta malo, si eres ochenteron y te latían los berridos de Axl (yo si soy de esos) aunque en este disco no estan tales cosas, de hecho, desmerece mucho vocalmente, las pocas canciones que canta, porque si no es él, es el vocalista de Quiot Riot o Ratt -increiblemente vomitivos-. En fin un disco que si eres fan, lo apreciaras por un par de días y después pasará a formar parte de tu colección de rarezas.
Ahora les voy a platicar de un disco muy importante en mi vida, y que por cierto, no lo conocí sino hasta hace apenas un par de años. Nunca he sido muy aficionado al Jazz, de hecho durante muchos años le saque la vuelta y procuraba no escuchar nada que sonara a eso, lo mismo me pasaba con el Blues por cierto, afortunadamente, ambas cosas han cambiado.
Fue un amigo fotógrafo, quien me acerco este disco (Birds and Miles) editado en 1975 y me cambió la forma de ver la vida igual que un cristiano renovado, que descubre en su nueva religión una verdad largamente esperada. El Jazz resultó ser contundente en mi vida. Me considero un buen lector del escritor argentino Julio Cortázar, y esto lo comento, porque ni el amor al Jazz que tanto profesó a lo largo de su obra, sobre todo en Rayuela, y en un texto titulado "El Perseguidor", lograron despertar en mí, ese gusto por este particular género musical.
No me queda duda, de que todos los amantes del Jazz con los que me he topado en la vida, tenían razón al decirme que Charlie Parker en un semidios, y el señor Miles Davis otro, quizá son las más grandes leyendas juntas. 13 canciones increibles, no me atrevería a señalar una por encima de otra, desde A night in Tunisia hasta Crazyology no pararán de disfrutar ese derroche de talento inigualable. Si alguno de ustedes tampoco es muy afecto a este estilo de música, este es el disco de la conversión.
A finales de los años sesenta, los Rolling Stones giraban por todo el mundo, intoxicados e intoxicando a la gente del mundo entero con sus canciones sensuales y sexuales, con su blues exponenciado, con sus delirios metafísicos. Por esas mismas fechas había una pequeña banda que había corrido con la suerte de ser seleccionada como la banda que los acompañaría en su gira: King Crimson.
Con un rostro carmesí, frenético y con innegable terror -sus ojos grandes, sos fosas nasales en claro síntoma de asfixia, y su boca pronunciando un alarido que resuena hasta nuestros días-, apareció en 1969 In the court of the Crimson King. Robert Fripp era por entonces, un pequeño niño tímido e inocente, que entraba con hambre al cruento mundo de la industria musical. No tenía ni la remota idea de lo que ese primer disco , con apenas 5 tracks revolucionaría el mundo de la música y se convertiría, con el paso de los años, en un obra de arte. Es difícil decir si es esta su obra maestra, existe un mundo polarizado, y eso sucede precisamente, porque King Crimson fue una banda bondadosa que nunca escatimo su talento, au contraire, lo dilapidaba en cada nota, ya sea en la guitarra, en la batería o en la prodigiosa voz de Greg Lake, Crimson nos lleva de la mano a través de un camino progresivo de imágenes medievales. Sin los alaridos de lo que posteriormente se conocería como epic metal (que cuenta con gente sumamente valiosa como Rainbow, DIO, etc.), King Crimson precede a muchas cosas que tienen vida hoy y que no existiría si no fuera por estos ingleses.
21ist CenturySchizoid Man, i talk to the Wind, Epitaph, Moonchild, y finalmente The court of the Crimson King. Cinco joyas en perfecto equilibrio. Si uno se atreviera a comparar discos, In the court of the Crimson King aunque un par de años anterior, guarda cierta relacion con el monumental Meddle de Pink Floyd, con la diferencia de que el primero, es más equilibrado en su totalidad. No llegó a decir que disco es mejor, si el de Crimson o el de Floyd, no soy tan engreído, pero sé con mucha certeza, que este disco de king Crimson, es tan grande - en todos los sentidos- como el de Pink Floyd.
Este nuevo disco de Slash tiene muchos inconvenientes, como los suelen tener todos los discos de guitarristas. Pasan por el inconveniente de que tienen que tocar en el tono de quién este cantando, en el estilo y demás. Y esto no necesariamente siempre es lo que más nos dice del guitarrista en turno; ejemplos sobran, Santana, Vay, Satriani, etc. Partiendo de esto, el disco hay que tomarlo con calma.
Yo fui un seguidor medianamente fiel de Guns and Roses y de Velvet Revolver, disfruto ese estilo de hacer música, pero en este caso, la verdad es que me costo bastante trabajo: ¿Neta, Fergi?... Digo, Ozzi, Cornell, Stockdale, Lemmi, Grohl, Iggy Pop, todo eso lo entiendo, pero Fergi... en fin. Total que apenas conseguí el disco, me senté a escucharlo y en serio lo vomité, y me sentí bastante defraudado. Así que lo dejé un par de días pero olvide eliminarlo de mi IPod, entonces ya saben, manejando sale una canción del disco y dices: "No esta tan mal"; después otra y otra, hasta que le das una segunda oportunidad y te miras al espejo y respondes: Carajo, que buena canción esa de Fergi, y la de Ozzi y la de todos y la verdad es que es un buen disco.
Yo padezco de varios impedimentos, entre ellos a olvidar el sonido que me gestó como amante de la música, pero cuando uno abre un poco (nunca demasiado) su criterio, descubre que hasta Fergi podría aspirar a ser la nueva Lita Ford.
Ocho largos años tuvieron que pasar para que Tom Petty regresara con un álbum bajo el brazo. Si bien nunca se ha alejado del todo -ya que es de esos músicos incapaces de quedarse en el mismo lugar (creativamente hablando) durante mucho tiempo-, su ayuno musical era muy notorio. Esta banda de Florida, que nada tiene en su sonido de sus cálidas tierras, regresan con un disco más cercano al blues que al garage-rock que siempre los caracterizó. Si existe una banda que siempre reventó los hitos marcados por la industria, es esta.
Con una explosividad sobre le escenario que los hace únicos, siguen llenando de arreglos perfectos sus canciones, sin excesos de producción, pues siempre tienen grabado al público en la mente. Por momentos cercanos a Little Walter y por otros a los Yardbirds, Mojo es un disco disfrutable en su totalidad. Carece de canciones de estribillos pegajosos y los cambia por momentos encumbrables, como el puente retorcido de "Takin my time", con la maestría de ejecución en la guitarra en "Jefferson Jericho Blues", con los estruendos de "Good Enough" que de inmediato nos remite al blues, lento y cálido de Zeppelin.
Sin lugar a dudas, éste es un disco para escuchar en el automóvil a todo volumen. Lleno de irreverencia, con letras mordaces e inestables, sin búsqueda de stablishment, sin ese sonsonete retromoralista y anticuado de la plasticidad pop (con sus contadas excepciones). Un disco, que me incita a tener 17 años y molestar a mis padres y al vecindario entero, poniéndolo una y otra y otra y otra vez.
En esta ocasión, decidí no dejarles un video del disco, como lo he venido haciendo, en cambio, les dejo un pequeño documental que me encontré en la red, sobre la realización del disco.
Que gran disco nos acaba de entregar Jackob Dylan, el pequeño retoño, pues si, de quién más, sino del genio más grande que ha dado la música contemporánea, Bob Dylan. Después de luchar incansablemente por hacerse un nombre propio, dado que las comparaciones resultan inevitables, dada la profesión y el padre, con este disco por fin logró encontrar su identidad. Era inevitable evocar al padre cuando decidió ser músico, lo mismo le paso a Sean y Julian Lennon, por ahí se salva el hijo de Ringo, pues dado que es baterista de The Who, todo el mundo quiere hablar de la banda como tal y no de él. Aunque eso es bastante mal pedo ¿no?, digo para nosotros, porque, al menos yo que soy padre si lo visualizo asi, cuando en la escuela le pregunten a aquel niño a que se dedica su papa, va a decir que es baterista de The Who y que su abuelo era baterista de The BEATLES, no mamen, uno no compite con eso, pero bueno, basta de pendejadas.
Woman + Country, es un disco, esencialmente de Folk, quién iba a pensar que Jackob encontraría su camino, su voz, en el mismo sendero de su padre, y claro, si no querías que te vieran, escondete en la boca del lobo. Las comparaciones ahora son inútiles, el otrora líder de The Wallflowers, hizo un disco de incuestionable calidad. 11 canciones de una sensibilidad envolvente y una producción impecable. la verdad no se quien es el responsable de los arreglos del disco, pero se merece mi total respeto. De unas texturas más cercanas a las de Jhonny Cash y June Carter, que a las del propio Dylan, Jackob hace gala de destreza vocal en un terreno donde la voz siempre ha pasado a segundo término, pues lo que se resalta son los textos, mismos que no desmerecen nada, a lo logrado por todos sus predecesores. Con Iicreibles temas como Lend a Hand, la gloriosa, gloriosa, gloriosa, Everybody's Hurting y Truth for a truth, hacen de este disco indispensable, para esos días en los que uno quiere estar solo, escuchando una música de gran calidad.
Lo que son las cosas, ahora resulta que tenemos que agradecerle al fisco por haber obligado a los Stones al exilio de Inglaterra. Lo cierto es que Keith escogió el sur de Francia para residir. Alquiló una gran mansión, en cuyo sótano se grabó uno de los mejores discos de la historia. Corría el año de 1972 y los Stones venían recogiendo el éxito de su álbum Sticky Fingers (1971). Ya saben la historia de la histeria de Richards y su creciente adicción a todo lo que se le pusiera enfrente, pero por favor, quien lo puede culpar, viviendo en Villefranche-sur-mer, con esa playa y todo ese paraíso terrenal, que se podía esperar. Total que se encerraron y construyeron el más aclamado de sus discos, que la industria e su infinita sabiduría (la neta es que la industria esta quebrando y no hallan de donde sacar lana) decidieron re-editar el disco en cd y su versión en vynil, que la neta yo la quiero pero además que aquí no ha llegado, está muy cara.
En fin, Exile on Main street es el disco más ambicioso de los Stones, disco doble que en su totalidad es una joya. Todo mundo sabe que los discos dobles tienden a perderse en serios momentos. Ejemplo el disco The Beatles de The Beatles, mejor conocido como White Albúm, y muchos más. Este disco de los Rolling, supera con creces todas las expectativas, yo no se si en justa recompensa por todas las que pasaron o nomás porque son bien chingones estos ingleses. Exile es el disco con mayor notoriedad en sus influencias, lleno de canciones que bien pudo haber firmado Robert Jonson, Moddie Watters, Buddy Guy, y un pequeño etc.
Los que no conocen este disco de los Stones, los envidio por tener la fortuna de escucharlo por primera vez. No es en este disco donde encontrarán los éxitos Satisfaction, Paint in black, Simpathy for the davil y esas. En este disco están las grandes joyas de la familia: Sweet Virginia, Loving Cup, Ventilator Blues, Shine a Light que le diera titulo a la película que hace un par de años hiciera Martin Scorssese. La verdad es que si yo fuera un poco menos necio, y pudiera quitarme de encima la terquedad a incluir discos de mi generación en mi lista de los mejores diez, de toda la historia, este disco estaría en los primeros lugares.
Con que grata sorpresa me encontré cuando escuche el nuevo disco de Unkle. Where did the night fall, es un disco de trip hop puro, nada hay fuera de él que pueda ser incorporado, es un disco completo, quizá (en mi opinión) lo mejor que presentan desde Psyence Fiction (1998), donde se incluía la inmortal Rabbit in your headlights, interpretada por Tom Yorke. En ese disco también había particiapaciones de Richard Ashcroft (The Verve) y de Jason Newsted (ex-bajista de Metallica). En medio surgieron Never, never, land (2004) y War Stories (2007), discos que en mi percepción decayeron mucho, cosa que no sucede con este nuevo material.
Fiel a su sonido, Unkle es la viva muestra de lo que una buena escuela puede dejar, su calidad es muy cercana a la del glorioso Heligoland, de Massive Attack, del que ya hablamos en alguna ocasión. Este álbum también esta plagado de invitados, entre los que resaltan Sleepy Sun y katrina Ford. Les recomiendo el disco entero, pero en particular Follow me down y Natural Selection.
Pues aquí andamos otra vez compartiendo nueva música con ustedes, resulta que alguien me dijo que empezaba a abusar de las recomendaciónes dentro del grunge y el rock alternativo las últimas semanas, de tal modo que decidí en esta ocasión platicarles del disco en solitario de Jonsi, vocalista de una de mis bandas favoritas: Sigur Rós.
Con un disco simplemente titulado go, Jonsi da comienzo a un proyecto alternativo en su ya exitosa carrera. Este disco no se aleja del sonido post-rock, minimalista en ocasiones y de arreglos complejísimos en otras. Quizá la única diferencia tangible sea que en este disco Jonsi esta muy contento, se aleja de los tonos melancólicos a lo Yorke y se recubre de una atmósfera festiva, sin caer en el exceso claro esta, y nos regala un disco o nos lo vende a los que no sólo descargamos música, muy bien logrado.
go, contiene 9 canciones de calidad excepcional, en particular recomiendo Animal Arithmetic, Tornado y Around Us. El primer sencillo que se desprende del disco es Go Do, el cual pueden ver en you tube porque bloquearon los derechos.
Antes que nada, quiero comenzar con la buena nueva de que se confirmó el regreso de Roger Waters a México, sólo que esta vez no viene presentando el disco Dark Side of the Moon como lo hiciera hace un par de años. En esta ocasión, se da un momento verdaderamente histórico porque The Wall pisa por primera vez tierras mexicanas. El lugar será en el Palacio de los Deportes el 18 de diciembre. Los boletos salen a la venta este 23y 24 de junio en preventa y el 25 venta general, ya saben como funciona esto, si en verdad quieren ir, la respectiva fila desde temprano porque en una hora no va a haber nada. No sé todavía si esta presentando el espectáculo en toda su monumentalidad o si es una versión más pequeña, pero en cuanto tenga más noticias se las paso. Cualquier cosa extra revisen la página oficial de Waters, ahí esta la información.
Sin más hablemos de lo que nos atañe, el lanzamiento del segundo disco de The Dead Weather, hace unas semanas ya les había comentado que pronto llegaba, y sin fallarnos, la banda liderada por Alison Mosshart y Jack White nos sorprende con Sea of cowards. Este disco es tan bueno como el anterior, un poco más de efectos en las guitarras pero nada más. Jack incursiona en las voces creando un equilibrio en las historias y nos dice desde el principio de que se trata este nuevo material con la canción Blue Blood Blues. La guitarra de Fertita es increíble, esta vez crea unas atmósferas sobrecogedoras que envuelven y llenan los oídos de susurros desgarrados. El bajo de Lawrence toma menos protagonismo en este disco, pero es más indispensable que en el anterior, se mueve sobre líneas muy delgadas que muchas veces incluso resultan imperceptibles, pero si las sigues descubrirás todos los matices que esconde. White, bien en la batería, con lo justo y eso es demasiado, la mayor sabiduría que se puede encontrar en un baterista es cuando sabe dar silencios y golpes precisos y oportunos. Alison es una diosa, sus letras siguen siendo magnificas, como ejemplo escuchen No Horse y Die by the drop, excelentes muestras de desplante vocal y maestría lírica.
Sea of Cowards es un disco de apenas 11 canciones que siguen marcando lo que parece ser el sonido de esta década que comienza. Ya la ocasión anterior, con motivo del disco de los Stone Temple Pilots hablé un poco de esta re-tomada de la escena musical de este sonido puro, se sabe que The Strokes ya regresaron después de que Casablancas hiciera ese desafortunado disco como solista, esa es una buena noticia. Otra buena es que parece que Jack ya encontró lo que buscaba en este grupo, cosa que me da mucho gusto porque están haciendo grandes cosas, lo lamento en tanto que The Raconteurs también suena increíble y los Stripes, pues que decir, espero a Megan de regreso pronto.
