lunes, 15 de agosto de 2011

Radiohead: King of Limbs from the basement

No hay mucho que decir, se lanzó el nuevo video de Radiohead donde dan muestra de su maestria tanto en composición como en ejecución. Este disco es sin duda de esos de digestión lenta. Recuerdo que cuando escribí sobre él, decía que era un disco muy cercano a lo que había hecho Yorke con su disco solista The Eraser, aún lo creo. Conforme pasan los días, este disco me gusta más al grado de poder decir que es uno de mis favoritos ¿cuales son mis favoritos? Todos. Les dejo el concierto completo, disfrutenlo:




Radiohead - Live From the Basement 2011 por andybe29

lunes, 1 de agosto de 2011

Godspeed You! Black Emperor - Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven




Sigo en mi etapa Post-Roc y lamentando todavía la muerte de la Winehouse. Hay un disco que en lo particular me parece, que es el mejor disco que se ha hecho en muchos años. No sólo en su género, sino dentro del extenso mundo de la música. Un disco que fue pensado más como una gran sinfonía, con sus estructuras y bordes perfectamente definidos. Un disco que es una obra maestra de la literatura, de la altura de la mejor ciencia ficción rusa. Un disco que es poesía visual del tipo de Mallarmé o de la tradición del gra Li-Po. En suma, una obra de arte de los tiempos modernos. El disco es Lift Your Skinny Fist Like Antennas To Heaven de los maestros de Godspeed You! Black Emperor.



Un disco de apenas cuatro temas, estructurados por movimientos precisos y delimitados. Con crescendos sublimantes y decensos vertiginosos. Instrumental casi en su totalidad con incrustaciones de dialogos y grabaciones de radio. Todo suma uno de los discos más pesados y ruidosos de la historia del rock, sin dejar jamás de lado la belleza estética y la sublimación sonora. Con claras reminiscencias al Bolero de Ravel, este disco fusiona la perfección del clasisismo y la fuerza del Rock.



Presentado como disco doble, por la extensión de sus temas, este disco es una de las joyas infaltables en la discoteca de cualquiera que se ufane de ser un conocedor de música. El arte del disco, deja de lado las formas ordianarias y parte de la ilustración explicativa. El listado de tracks es presentado en forma de bloque en donde a lo largo de sus líneas se van mostrando los distinos movimientos subiendo y bajando de los bordes según los crescendos o las disminuciones se presenten. Nuevamente, uno de los discos más bellos que he escuchado en mi vida, comparable con lo que sea y con quién sea.


Disco uno
1. "Storm" – 22:32
"Lift Yr. Skinny Fists, Like Antennas to Heaven..." – 6:15
"Gathering Storm/Il Pleut à Mourir [+Clatters Like Worry]" – 11:10
"'Welcome to Barco AM/PM...' [L.A.X.; 5/14/00]" – 1:15
"Cancer Towers on Holy Road Hi-Way" – 3:52
2."Static" – 22:35
"Terrible Canyons of Static" – 3:34
"Atomic Clock." – 1:09
"Chart #3" – 2:39
"World Police and Friendly Fire" – 9:48
"[...+The Buildings They Are Sleeping Now]" – 5:25



Disco dos
1."Sleep" – 23:17
"Murray Ostril: '...They Don't Sleep Anymore on the Beach...'" – 1:10
"Monheim" – 12:14
"Broken Windows, Locks of Love Pt. III." – 9:53
2."Antennas to Heaven" – 18:57
"Moya Sings 'Baby-O'..." – 1:00
"Edgyswingsetacid" – 0:58
"[Glockenspiel Duet Recorded on a Campsite In Rhinebeck, N.Y.]" – 0:47
"'Attention...Mon Ami...Fa-Lala-Lala-La-La...' [55-St. Laurent]" – 1:18
"She Dreamt She Was a Bulldozer, She Dreamt She Was Alone in an Empty Field" – 9:43
"Deathkamp Drone" – 3:09
"[Antennas to Heaven...]" – 2:02





sábado, 23 de julio de 2011

Adios a Amy Winehouse




Esta entrada debería de haberla titulado "Crónica de una muerte anunciada". Amy y su cancer pulmonar, su consumircrack como si fueran dulces, depresiones, alcoholismo, etc., la cuestión es ¿neta, 27 años? Dificilmente Amy entrará al club de las leyendas del 27... y claro que no me refiero a los poetas españoles; y no entrará a ese círculo selecto porque la fama es caprichosa, los tiempos han cambiado y la fama, también es una forma del olvido, decía Borges. Talento de sobra, hasta para ponerse por encima de un par de los de ese club de muertes precipitadas.



Tenía 27 años y se llamaba Amy. Fué encontrada en su departamento de Londres y puta madre... la voy a extrañar. ¿Hace cuanto que no aparecía una mujer con esa voz? Era como ver a Aretha o Nina, con algo de crack encima. Su potencia volcal, su honestidad, todo lo que ella representaba, ya no está. ¿Por qué no se carga la chingada a Lady Gaga? (no literalmente claro, tampoco es para desearle la muerte a nadie) ¿por qué tiene que ser la gente que verdaderamente le lega algo al mundo? Sus dos discos ahora se venderán por montones ya se sabe. Basta con que se muera la gente para que todos los admiren. No importa. Amy ya no verá esos desplantes de ominoso y petulente arribismo. Así, sin más...



Descansé en paz Amy Winehouse.

lunes, 18 de julio de 2011

Austin Tv - Los Caballeros del Albedrío


Siguiendo en el camino del Post-Rock, llega al fin el cuarto disco de Austin Tv: Los Caballeros del Albedrío. La capacidad creativa de esta banda no deja de sorprenderme desde su primer disco me cautivaron. Por aquellos días conocía muy poco de este género, luego me sorprendieron enormemente con su capacidad musical y sus disfraces. Por fin una banda que olvidaba los discursos y se centraba en lo importante: la música.

Este disco es el más consistente de todos y sí, después de estarlo escuchando durante bastantes días, puedo reafirmarlo. Todos sus discos parten de la idea de conjunto. No crean elementos aislados, todas las partes se entienden dentro de un todo. Pero este disco va más allá. Consigue construir toda una atmósfera poética-sonora en donde se desarrollará una historia. Ya no son más esos espíritus del Fontana Bella los que hablan a través de esas texturas y esos ambientes. Este disco es literatura.

Los Caballeros del Albedrío es un disco doble perfectamente balanceado. A lo largo de sus 16 partes, caminaremos y presenciaremos una historia que discurre en los bordes del más puro onirismo. No puedo destacar alguno de sus cortes dada su misma estructura, su unidad. Con todo, es un disco corto que no alcanza la hora de duración. Sus guitarras siguen recordando la fuerza de Mogwai, sus ambientes fílmicos siguen marcando pautas narrativas y la suma es sin duda, el mejor disco de esta banda. Sin duda la espera valió la pena.

4 estrellas.

martes, 12 de julio de 2011

Explosions in the sky - Take Care, Take Care, Take Care



Soy un amante de esto que solemos llamar Post.Rock. Cada cosa que sale dentro de este género musical la busco y regularmente atesoro. Ya alguna vez escribí algo sobre Múm y Sigùr Ros, dos de mis bandas favoritas. A Silver Mount Zion, Mogwai, los mexicanos de Austin Tv y por supuesto mi favorita de todas Godspeed you! Black Emperor (banda que por sobre todas tiene la capacidad de maravillarme). Por supuesto que hay más bandas estupendas, Hrsta, Le Fly Pan Am, The Album Leaf, Do Make Say Thing, etc. Una de esas bandas de las que me habían hablado y que por una u otra razón no escuchaba, ya sea por falta de tiempo para conseguir su material o simplemente porque no siempre se puede escuchar todo lo que uno quiere, es Explosions in the Sky.
Recientemente esta banda lanzó su disco Take Care, Take Care, Take Care. No sé cuantos discos tenga, no he querido entrar a buscarlos, prefiero que este disco sea mi punto de referencia. No sé –todavía– de donde son ni cuantos integrantes hay. Esta vez mi opinión parte de estos 6 tracks que para mí son los primeros. Pronto estaré informándome y escuchando toda su discografía, pero esta vez prefiero que sea así, sin referencias más allá de las plenamente identificables con el género mismo.
Si algo me atrapo desde el inicio del disco es la fuerza de sus guitarras, esa capacidad de estridencia y saturación que enloquece sin dejar de lado la armonía. Su ritmo, en ocasiones suave, dulce, melancólico, de pronto adopta una capacidad tan vertiginosa como alucinante, se vuelve un caer en un tobogán sin perder jamás su estructura melódica. Todos los cortes, como suele pasar con este tipo de bandas, resultan un todo. Son discos que difícilmente aceptan la fragmentación, su fuerza radica precisamente en su unidad. Son muy compactos en su discurso. Su intencionalidad descansa en su estructura. Por eso, en lugar de destacar canciones, creo justo mencionar los momentos que para mí resultan cumbres. Last Know Surroundings, Trembling Hands, Be Comfortable, Creatur y Let Me Back In. Un disco más que sumo a mi colección de los entrañables.
3 ½ estrellas.

lunes, 4 de julio de 2011

My Morning Jacket - Circuital



Cuando la espera bien vale la pena, qué alegría. Han pasado 3 años desde el lanzamiento de Evil Urges (2008), disco que seguía dando muestras del enorme talento de estos chicos de Kentucky. Disco tras disco empujaban más y más hacía un sonido más claro y contundente. Su identidad sonora quedó plasmada desde el primero de ellos (The Tennessee Fire, 1999) y se reafirmaba con cada canción, con cada sencillo.




Circuital es el disco de la madurez. El disco que pone fin a cualquier duda. My Morning Jacket es hoy por hoy una de las mejores bandas del mundo. De perfil bajo y presentaciones íntimas, los sureños nos cubren los oídos con sus sonidos cálidos y reconfortantes. Todos los tracks de este disco son fantásticos, sus texturas sonoras -ahora más limpias- nos toman de la mano y nos conducen por pasajes extraordinarios. The day is coming, Victory dance, Movin away, son canciones que no podran dejar de escuhcar y ni siquiera son las mejores. Circuital, Outta my system y la grande, grande, grande Wonderful (the way i feel) les reventarán los oídos. Maestros en el arte de hacer baladas complejas, con pasajes y nudos secuenciales, alejadas polarmente de las formulitas de banda pop. My Morning Jacket es -como ya lo dije- una banda que merece la pena en todos los sentidos.



4 estrellas.

lunes, 20 de junio de 2011

Arctic Monkeys - Suck it and See



Todo el sonido Indie que llenó los espacios radiales hasta el punto de la saturación, toda la influencia británica de los últimos años, toda la oleada de bandas que salían como cucarachas de alcantarilla (por centenares) parece ser que llega a su fin, cediendo el espacio de sus guitarritas rítmicas a sonidos más pop o más alternativo, según sea el caso. Bandas como Muse con tal de entrar al mercado americano dejaron atrás todas sus escalas guajoloteras para empezar hacer una música más vacía y hueca pero con un ritmito bailable. A mí nunca me gustó Muse, pero de jodido respetaba (más o menos) lo que hacían. Otras bandas como Franz Ferdindand me llenan más aunque nunca han alcanzado a en verdad atraparme. Lo mismo me pasa con los Arctic Monkeys, quienes pese a lo que sea, encabezaron todo este nuevo sonido junto con The Libertines y otros más. El sonido de los Arctic tampoco me atrapo, aunque siempre hubo un par de canciones por disco que en verdad disfrutaba. Lo más cercano a un disco verdaderamente escuchable para mí fue el Humbug o incluso el Favourite Worst Nightmare, sin duda Brainstorm es mi favorita, las guitarras en esa canción no tienen piedad.
Este año los Arctic lanzaron Suck it and See, disco con el que dejan atrás su ruidito de niños que juegan a ser rockeros y entraron de lleno a un disco producido en todas sus formas. La gente tiene una estúpida idea de que para ser Indie hay que sonar como la chingada y no se equivoquen, Flaming Lips son una de las bandas Indie más importantes del planeta y sus discos son pulcrísimos. Con un sonido mucho más alternativo rozando con un britpop bastante elegante, los Arctic dejan atrás la adolescencia musical y entran de lleno en el mercado de lo perdurable. Conozco gente que es megafan de estos chicos y me dicen que es precisamente este el disco con el que marcan su retirada de las filas de fans. En efecto, si alguno de ustedes es fan de ese sonido particular este no es su disco, si por el contrario les gusta una música más elaborada y producida, este es el disco con el que ya no le harán el feo a esta banda. Y si usted es de un tercer grupo, que escucha música indiscriminadamente y gusta de llamarse melomano delante de los amigos no más como para parece muy chingón, pues supongo que el disco también les gustará. En resumen, es un gran disco, lleno de canciones perfectamente logradas como Don't Sit Down 'cause I've Moved Your Chair, Black Treacle, She's Thunderstorms y Suck It And See. Baladitas bien acompañadas, la voz definida, con buenas armonías. Lo dicho, un disco bastante disfrutable para los rucos como yo que difícilmente aceptamos algo que no sea Zeppelin o Crimson o cualquier caca grande, grande, grande.




3 ½ estrellas.

lunes, 13 de junio de 2011

Hot Sauce Committee Part 2





Hace unos días estaba en un Sanborn’s al que suelo ir a escribir. Me gusta ese lugar porque además de que el café (que no es café) es muy barato, las meseras a fuerza de mi constante presencia ya no se preguntan el qué demonios hago ahí durante horas. Ese día, infructuoso por lo demás, estuve muy poco tiempo. Me dí mi vuelta por la zona de revistas y revisando una de ellas descubro que los Beastie Boys regresaron con nuevo disco. De inmediato mi mente voló a aquellos días en que lo único que se conocía de rap en México eran las mierdas tipo Vanilla Ice y Mc Hammer y un día, de la nada, me encontré, con mis apenas 12 años escuchando en una estación de radio de mierda: Sabotage. Mi concepción del rap cambió radicalmente y descubrí a gente como Run DMC, Dr. Dre, Two Pack, etc. Al pasó del tiempo me ilusionaba y desilusionaba de este género con la misma velocidad, pero siempre estaban los Beastie. Intergalactic fue otra de esas canciones que salvaban al género. Claro que para esos días ya existía con una fuerza inapelable el rap/metal de Korn, Deftones y los mejores de todos Rage Against the Machine y ya no hacía falta mirar hacía la otra orilla. Ya estaba también en mi lista Snoop Dog y las primeras canciones de un niño blanco que venía a suplir el nicho que pronto dejarían bacante los newyorkinos: Eminem.

Hot Sauce Committee Part 2 es un disco que conserva la energía de los primeros discos. Temas como Make some noise, Nonstop Disco Powerpack, Too many rappers y Don't Play No Game That I Can't Win, se empatan con los grandes clásicos de la banda. Llevo un par de semanas escuchando el disco, sumándole a la lista de mi IPod todas las viejas canciones (Sabotage, No sleep till Brooklin, Intergalactic, etc.)a volúmenes que hace que mis vecinos supongan que no es un tipo de 30 el que vive a un lado, sino un adolescente sin piedad por la paz vecinal. ¡Vivan los reyes del Rap!

3 ½ estrellas.

martes, 7 de junio de 2011

Saúl Hernández - Remando



¿Qué fue de aquellos años donde la punta de la lanza del rock mexicano descansaba sobre los hombros de Saúl Hernández? En este continente que llamamos America el rock tuvo varias raíces, en Argentina por ejemplo, todo el movimiento nació de la protesta, del descontento político, mientras en México la influencia del vecino del norte marcaba el camino de las pocas agrupaciones llevándolos a hacer covers y versiones pésimas de canciones que todo mundo prefería escuchar en sus versiones originales. Algunas bandas ya comenzaban a dar pasos firmes con una identidad propia dentro de lo que se catalogó como Rock Urbano; El Tri sobre todos mandaba.
La invasión de grupos basura que venían de España convertidos en estrellas y prolongando su éxito en un país necesitado de música como el nuestro, se llevaban el dinero de los muchos que compraban esos discos de Los Hombres G y cuanta mamada de ese tipo había. De Argentina, Miguel Mateos llegó a México provocando un suceso que parecía que eran los Rolling Stones los que venían. No fue sino hasta el arribo de Soda Estéreo a mediados de los ochenta, donde Hispanoamérica completa se dio cuenta de que sí ere posible hacer una música propia sin caer en sentimentalismos ni imitaciones. Si bien Soda tenía un toque británico en su forma de producir sus discos, sus canciones, todo eso estaba cargado de una convicción inexorable que latía en todos nosotros. Los Héroes del Silencio siguieron esos pasos sin tregua reventando todo lo que se esperaba de ellos, entregando discos de una calidad que sigue siendo superior a muchas cosas que se producen hoy en día. Estas dos bandas en particular a mí no me gustan, de hecho las detesto, particularmente a los Héroes, pero jamás permitiré que mi juicio se nuble al grado de negar su importancia y trascendencia.
En ese camino apareció Caifanes, la primer banda mexicana que explotaba e irradiaba una sed de identidad propia. Sí, nadie puede negar que Saúl quería a toda costa parecerse a Roberth Smith, cosa que en México le ganó mucho descrédito de parte de los mismos pendejos que alababan a Bunbury por imitar descaradamente a Morrison (otro pendejo que me caga la madre). Caifanes lanzó un primer disco que hoy sigue siendo de culto para una generación y que sigue ganando adeptos. Los tres discos siguientes eran testimonio fiel de la grandeza de estos tipos (Saúl, Alfonso, Sabo, Alejandro y Diego, aunque este último salió pronto de la banda). Nadie puede negar y sería pendejo intentarlo, que Caifanes era una banda panfletera que explotaba una idea oficialista de lo que se entendía por el misticismo mexicano, heredado de culturas ancestrales. En este país todo mundo se siente Mexica o Maya, pero no tienen una puta idea de los orígenes de estos grupos y todo lo que suponen saber lo sacaron de un libro de metafísica de la retrograda de Corín Tellado. Hoy todo el mundo habla de las profecías Mayas y nadie podría contar los mitos de los que se componen toda su ideología. Muestra irrefutable de que por el hecho de haber nacido en esta tierra hoy llamada México, no nos hace provenir de ellos, diga lo que diga Alfonso Caso. Pero ese no es el tema; sí, Caifanes era panfletero, pero era nuestro, identitariamente nuestro. Cantaba cosas que nos decían cosas a nosotros y eso era lo que importaba. Ellos llevaban la bandera de nuestro rock, trayendo consigo a bandas como La Maldita Vecindad, Café Tacvba, La Cuca, La Castañeda, La Lupita, Tex Tex, Santa Sabina, Juguete Rabioso y tantos otros.
Alguna vez comenté que el gran éxito de Bunbury fue haberse separado de los Héroes y mostrar que él era más que el cantante de una pinche banda wannabe gringa, lo mismo pienso de Cerati. En solitario lograron expandir sus horizontes musicales en grados superlativos. Yo esperaba que Saúl diera ese salto, lo tenía todo para ser nuestro Bunbury, nuestro Cerati, nuestro Calamaro, Fito, Sabina, Charly y más. Pero no. Prolongó el camino con una banda llamada Jaguares, extensión pobrísima de Caifanes. Pan con lo mismo. Hace un tiempo supe del lanzamiento de su primer disco solista y la verdad me emocioné. Supuse que ese salto había llegado, tarde quizá, pero era su turno. Antes la reunión de la banda original y por fin Remando, el primer disco de Saúl.
Voy a ser honesto, si bien estaba emocionado, nunca fue lo suficiente como para correr a comprar el disco. Lo descargué como muchos y me senté a escucharlo por varios días. Encontré algunas canciones que me gustaron, así, a secas; y mi impresión al momento de sentarme a escribir esto es: qué mediocre es el negarse a salir de su zona de confianza y aferrarse a seguir haciendo las mismas chingaderas que viene haciendo desde hace años. Ya no somos aquel pueblo necesitado de música. Ya no hay necesidad de pretender identidad, eso está hecho, ahora hay muchísima gente en México que sabe de música, gente que en verdad sabe de música y no aficionados como yo. Gente que aprecia y valora, que exige discos de calidad. Gente que esperará con ansia el disco de Café Tacvba que lanzarán en el 2012, porque ese sí es una garantía de creatividad y riesgo.

sábado, 28 de mayo de 2011

The Kills - Blood Pressures



LLega el cuarto disco del dueto compuesto por la bellísima Allison Moshart y Jamie Hince. The Kills es uno de los grupos con mayor propuesta del momento. Uno de los pocos que sigue sin ser alcanzado por los listados de popularidad vacios y ociosos. Con una propuesta fresca, recargada en un sonido crudo y áspero, The Kills encabeza la vuelta al sonido del rock de los setenta que tanto extrañamos.



Blood Pressures es un disco cargado de una energía sexual como ninguno de los anteriores. En cada uno de sus discos, Moshart nos llena y embruja con su erotismo, pero en este llega a una cima extraordinaria. Su voz en temas como The Last goodbye es un derroche de talento y sensualidad. Mucho encontraremos en la voz de Moshart de su paso por Dead Weather. Los 11 temas del disco estan grabados con una agresividad que envuelve. Las guitarras crudas y sin arreglos dan muestra de que el sonido del garage rock es de lo más honesto que podemos encontrar en la actualidad, donde los discos llenos de loops y samplers y demás son los que predominan. Satellite, DNA y la ya mencionada The last goodbye son las mejores, aunque Baby says, Damned if she do y Heart is a beating drum no piden nada.



3 1/2 estrellas.

domingo, 22 de mayo de 2011

Pearl Jam - Vs / Vitology




Este año se cumplen formalmente dos decadas de que apareció la banda más importante del Grunge. Bandas como Jane's Adiction y los enormes Pixies, estaban sembrando semillas que tanto Soundgarden como Nirvana, cosecharian con resultados sorprendentes. Alice in chains, Smashing Pumkins y otras encarnaron el desencanto juvenil y lo transformaron en una música desgarrada. Pero nada ni nadie surgió con la fuerza, contundencia, honestidad y desprendimiento de Pearl Jam. El disco Ten hoy es uno de los discos más celebrados de la historia de la música. Más de 10 millones de copias en su lanzamiento. Hace un par de años celebraron el disco con una reedición bastante buena, remasterizaron el sonido, incluyeron tracks perdidos, además de un dvd con su presentación unplugged. Después se presentó el disco Live on ten legs, que deja ver la fuerza de esta banda en vivo, lleno de éxitos y carente de otros, dado que daba el banderaso de inicio de las celebraciones de 20 años.




Ahora el turno es para Vs (1993) y Vitology. Estos discos son parte fundamental en la historia de esta banda, primero porque marcan una separación al sonido, si bien crudo, bastante arreglado del predecesor. Estos discos entran más en la escuela del garage rock que del mismo grunge. Todo cuanto hay en el Vs es conflicto, encuentro violento. Las letras denuncian a la industria (Blood), a la fama comercial (Animal), a la sociedad (Glorified G). Con exitos como Go, Dissident y Daughter este disco nos enseña que Pearl Jam esta dispuesto a sacrificar lo que sea con tal de no ser una banda más. La textura del sonido en este disco nos enseña que basta con tener algo que decir y decirlo con huevos, para ser escuhcado.




El disco Vitology fue concebido durante la gira del Vs, casi todas las canciones fueron grabados entre fecha y fecha; tal vez de ahí la dispersión en los temas. Canciones que van del rock crudo a la balada, todos los temas de este disco llaman la atención de los críticos. Canciones como Corduroy o la increíble Nothigman se instalaron de inmediato en las favoritas de sus fans. Better man, Whipping, Not for you y tantas otras, son testimonio de un Pearl Jam que cerraba un primer ciclo. Se deja ver la tensión que había entre los integrantes, todo marcaba el camino: evolucionar o morir.



El sonido de estos discos ahora es impresionante, las guitarras suenan durísimo, la voz de Vedder sobrecoge. La edicón de lujo ofrece además un show de 1995 que incluye todas las favoritas de estos tres discos. Este año además se espera la aparición de la película Twenty, película que celebrará los 20 años. Dirigida por Cameron Crowe, director de Almost Famous, este documental mostrará momentos desconocidos de la banda a lo largo de dos decadas. Algo hay que contar. Si a esto le sumamos que Vedder acaba de lanzar un disco solista, donde a lo largo de 16 canciones rasga si tregua un ukulele, titulado Ukulele Songs (no digo más...) podemos asegurar que este años será el de Pearl Jam.



Por lo pronto ¿y ahora si vienen?...

martes, 17 de mayo de 2011

Moby - Destroyed

El pasado 16 de mayo vio la luz el noveno álbum de Richard Melville mejor conocido como Moby. El camino ha sido largo, de un crecimiento constante, de inovación, de proyecciones e imagenes que, atraves de la música, encuentran una recepción extraordinaria. Pocos son los artistas, así, artistas y no sólo músicos, que no entregan nada prematuramente, que sus discos no buscan los hits radiales, que su música es interiorista a la ves que expresa la voz de muchos.


Destroyed es un disco de 15 temas que abraza el conocido sonido electrónico del newyorkino. Su elegancia, su sutileza entre capas. Todas las canciones posen un número de capas sonoras que en la conjunción, construyen una atmosfera increíble. The Broken Places, Be the one, Sevastopol, la impresionante Lie down in the darknes lo tiene todo, Lacrimae, la más larga del disco. En suma, este es uno de los mejores trabajos de este hombre.


Todavía hoy existen muchas personas que concen a Moby sólo por Porcelain, un tema infaltable en su discografía, pero si alguno de ustedes es de esas personas, les digo que se están perdiendo de mucho. Este es un disco extraordinario para empezar y después ir en retrospectiva hasta el lejano 92 donde apareció Moby, su primer disco, Play, es quizá el mejor. Si ustedes ya son fans de Moby o simplemente conocen bien su obra, este disco no puede faltarles.


4 estrellas.

sábado, 7 de mayo de 2011

Glasvegas - Euphoric Heartbreak



Los escoceses de Glasvegas regresaron este año con un nuevo disco bajo el brazo. Su sonido alternativo con guiños del indie que tan de moda esta en todo el mundo, refresca las estaciones de radio. Esto es interesante, dado que no todo lo que esta en las radios es basura y no hablo de las estaciones especializadas o las universitarias, esas siempre han tenido buenas cosas en su programación. No, hablo de las comerciales que todo el dia estan jodiendo con Gaga. Las 11 canciones del disco dan muestra de soltura, que no de falso virtuosismo, y buena vibra. Las letras no se complican y vuelven a esa tendencia pop y amigable tan caracteristica desde... pues desde The Beatles.




Euphoric Heartbreak es apenas el segundo disco de estos oriundos de Glasgow pero parecería el quinto o el sexto, su madurez de sonido es increible, pareciera una banda que ya domina un estilo propio y no una más que se suma a la ola de lo que las masas piden. Euphoria, Take my hand; Wathever hurts you through the night, merecen particular atencion.




3 estrellas

martes, 3 de mayo de 2011

Foo Fighters - Wasting Light



Quién iba a decir que después de pertenecer a una banda tan famosa como Nirvana, Dave Grohl sería el lider de una de las bandas más importantes del Hard Rock actual. Con proyectos alternos, donde deja el protagonismo tácito de ser el cantante de una banda, demuestra con Them Crooked Vultures, que lo que más le importa es la música. No sólo son 8 discos de los Foo Fighters, y la cantidad de sencillos, Everlong, All my life, Learning to fly, Wheels, etc. sino la calidad de los mismos. Eso es algo de lo que sigue respetando desde sus inicios, nunca abandonar la calidad sonora por fama.




Wasting Light es un disco de 11 temas llenos de ese sonido duro que ha caracterizado a esta banda. Desde el primer tema Bridge Burning uno tiene claro de que se va a tratar esto: guitarras, guitarras y más guitarras duras. Rope, These days, A matter of time, todos temas increibles y el plus de este disco, que es quizá lo que determina por debajo el sonido real de este disco, es la participación de Krist Novoselic, ex compañero de Grohl en Nirvana, en I should have know. En suma, uno de los discos infaltables de este año.




3 1/2 estrellas


sábado, 23 de abril de 2011

Los Concorde - Es lo que hay



Este grupo mexicano es lo que llamariamos una super-banda. Formada por integrantes de otros grupos, o ya caducos o bien en plena decadencia. Casi todas las bandas de las que proceden me gustan o me gustaron, para ser más precisos (Fobia, Resorte, Plastilina Mosh). Y me gusta ver que, las influencias de sus agrupaciones están presentes y fucionadas del tal manera, que han generado uno armoniosa forma de hacer música, sin tender o parecerse de más, a alguna de las mencionadas.




Es lo que hay, es apenas el segundo material de Los Concorde, y después de lo que pasó con Región 4, este es el disco de la consolidación. Lleno de sonidos frescos y alternativos, Es lo que hay, irrumpe con canciones melancólicas y reflexibas sobre tiempos mejores (No nos podemos derrotar y Eso si dolio) pero también con todo la sensualidad, juguetona y pícara, de las chicas malas, que tanto les gusta retratar (Dramaddict).



Nueve canciones de una calidad adimrable, su sonido independiente y nada arreglado, hace que el disco sea mucho más disfrutable por su honestidad. Si es un disco para personas de más de 30 años, sus canciones rememoran a tiempos que los más jovenes no tendrán fijos o claros, pero su sonido es capaz de atrapar a cualquiera. Un disco que en lo personal estoy disfrutando como enano.



3 estrellas.

sábado, 16 de abril de 2011

Vive Latino 2011


La semana pasada se pudo vivir otra entrega más del festival de cultura musical más grande de América Latina: Vive Latino 2011. Más de 180 mil personas en tres días, 6 escenarios y más de 100 bandas. Música de todo tipo, géneros y estílos. La verdad es que cada año crece y crece más, ojalá algún día este festival sea tan grande que se vuelva verdaderamente del pueblo, no pido que sea gratuito, pero sí, que sea más barato y que los fondos se dediquen a rescatar eso que presume: la cultura musical latinoamericana.


Este año además contó, como empieza a ser costumbre, con la presencia de bandas de talla internacional como: Sepultura, The Chemical Brothers y los grandes, grandes, grandes de Jane´s Adiction, ya saben, Farrel y Navarro extraordianarios, su setlist plagado de éxitos, un escenario exotico-erótico sensacional. Aunque debo confesar que el plato fuerte de este año fue la reunion de Caifanes. A mí, como a todo chavito nacido en la frontera de los 80's y anteriores, me gustaba Caifanes; hoy, no dejo de reconocer el gran trabajo que hicieron con aquellos enormes discos, que siguen siendo indispensables si se quiere comprender el paso del rock en español: Caifanes, Caifanes II (el diablito), El silencio, son discos que marcaron un par de generaciones. En lo personal, el cuarto y último disco de los Caifanes no le letió tanto (El nervio del volvan), me pareció sobrado, panfletero y sumamente fresa. Pero valió la pena escuchar esas canciones una vez más y espero sea la última. No me gustaría que cayeran en la tentación barata de tocar sólo por la lana (Heroes del Silencio y Soda Estereo).


Otros geniales fueron Adanowski, increible propuesta, Charly García, La Gusana Ciega, Los Pericos,Alonso Arreola, Torreblanca y cómo no, Omar Rodriguez López Group que traen una onda imprecionante, y si bien, prefiero a The Mars Volta, esta versión de Omar es extraordinaria.


sábado, 9 de abril de 2011

The Strokes - Angles


Me da un enorme gusto que Julian Casablancas haya regresado con The Strokes. Su disco solista me resulto, poco menos que nefasto y soporifero. Sé que exagero, pero la verdad es que esos sonidos pop's sin sentido, sin nada de fondo, solo loops peridos, unos tras otros, sin más.


Angles marcá el regreso de una de las bandas que trajo de vuelta ese sonido crudo, sin arreglar, sin pretenciones, del rock de los 70's. Si bien, ninguno de sus discos ha alcanzado la gloria de Is this it (2001), tanto Room on fire (2003), como First impressions of earth (2005), tienen cosas sumamente rescatables. En ésta nueva producción resurgen con su sonido garagero y sus composiciónes alienadas. Las guitarras han sufrido algunos cambios y dejan de lado sus sonidos caracteristicos, para enfrentarse a una nueva proyección de efectos y riffs. Julian trae al disco, su experiencia como solista, y contribuye con loops electronicos como base rítmica de varias canciones, sin llegar nunca ha tomar el primer plano.


En términos generales, Angles es un disco disfrutable, con canciones pegajosas como Under Cover of Darkness y Call me back. Lo más rescatable de este disco: Games, Two Kind of happiness y Machu pichu.


3 1/2 estrellas.

sábado, 2 de abril de 2011

Pj Harvey - Let England Shake


Los riesgos que corren ciertos artistas se tienen que agradecer. No importa si el resultado es bueno o malo, lo importante es que estas personas no navegan en las aguas de la conformidad, de la seguridad que brindan las radios al programar sus sencillos. ¡Qué carajo si no lo programan! La calidad musical no necesita de nadie para difundirla, se abre caminos por ella misma. Pocas bandas encontraremos en estas filas: Café Tacvba, Radiohead (por supuesto) y Polly Jean, mejor conocida como: PJ Harvey.

Su anterior disco White Chalk no gozó de los favores de la crítica especializada, lo que sea que quiera decir eso. Me cagan enormemente los críticos de las revistas oficiales, puesto que parece que no tienen críterio propio y sí, que les pagan para adular o hundir, a tal o cual disco. White Chalk fue uno de esos discos que pretendian hundir. A mí en lo personal me gustó mucho. Es un disco que, aún hoy, pongo y me encanta, y si bien no es un disco fácil de asimilra, tampoco es un disco que no se pueda disfrutar. En particular soy fan de PJ desde Rid of Me, su segundo material y desde entonces sigo su camino músical, mismo que me parece rico y abundante como pocos. Discos como el mencionado Rid of Me y Stories from the City, Stories from the Sea, son muestras fenomenales de la capacidad de esta mujer. Es dificil enfrentarse a la pregunta de cual es el mejor material en la carrera de una artista, así, con todas sus letras: A R T I S T A; debido a que su camino evolutivo y sin descanso, no permite comparaciones entre disco y disco. Son obras únicas, resultado de inquietudes también únicas y legítimas.


Ahora aparece Let Englan Shake, y como el título lo anuncia, sacude las fibras más sensibles de un pretendido ser-contemporaneo, que se esfuerza por encajar en un ambiente hostil. Es contundente, quizá como nunca antes, sobre la visión politico/bélica de su país. Las 12 postales/canciones de este disco, nos llevan de la mano, sobre caminos grises y nostálgicos que no esconden el verdadero rostro humano del sufrimiento: de la insensibilidad, de la ambición. Todas las canciones nos recuerdan que las guerras no terminan cuando uno vence al otro. La otredad es un problema filosófico que se plantea en este disco.


Y con todo, eso no es lo más importante, no perdamos de vista que tenemos enfrente un disco de una artista, y no un tratado sobre la humanidad, sin que una cosa niegue a la otra. La música resulta increible, insisto, no me atrevo a decir que este es uno de sus mejores trabajos, pero lo que sí afirmo, es que este, sin duda, es su disco más maduro en todos los sentidos. Esta vez no quisiera particularizar comentarios sobre las canciones, porque todas me parecen extraordinarias y musicalmente independientes, pero me resulta imposible remarcar que su voz conmueve y desgarra, sobre todo en On Battleship Hill. Si existe un hilo conductor que recorre todo el disco, desde Let England Shake, hasta The Colour of Earth, pero no predomina sobre ninguna canción. Los pianos, las guitarras, las percusiones y los metales conviven en perfecta armonía. Sin duda, uno de los mejores discos que habrá en el año.


4 estrellas.

sábado, 26 de marzo de 2011

Zoé - Unplugged



La banda mexicana Zoé recientemente volvió a tomar por asalto todas las estaciones de radio y canales de "música" que hay. Es interesante todo lo que escucho de Zoé y con más de un conocido me he ganado críticas por mi... digamos... escepticismo para con esta banda. Y es qué, después de leer y escuchar muchísimos blogs y podcast de toda iberoamerica, me doy cuenta de la fama tan grande que han alcanzado, sobre todo en España donde casi casi les ponen un altar y en Argentina. A mi en lo particular, me gustan, eso no lo voy a negar. Por un amigo que siempre ha estado muy al pendiente de lo que sucede en México los conocí con su primer disco (Zoé 1998) cuando ya los había firmado Sony. En aquellos días lo que escuchaba era Zurdok, que me parece una de las más grandes bandas que ha dado este país y que lamentablemente desaparecieron muy pronto. Cuando escuche el disco de Zoé me gustó mucho, me pareció bastante fresca su propuesta, ya no era una de esas bandas de rap/rap-metal/ymentadasdemadre que se estaban cocinando: Molotov, Control Machete, Resorte, El Gran Silencio, etc. Estas eran bandas que querían hacer otra cosa (Zurdok y Zoé). De inmediato prestamos atención.




Dando un salto en el tiempo hasta estos días me pregunto que pasó con Zoé, después de su gran disco del 98, le siguó Rocanlover 2002, Memo Rex Commander y el Corazón atómico de la Vía Láctea 2006, disco extraordinario en todos sentidos, Reptilectric 2008, disco bastante flojito que a lo más, aportó un par de tracks decentes. En medio de esto, el Ep The Room 2005, de donde se rescataba Dead, tema vertebral en su discografía. Es aquí donde radica mi molestia con ellos: ¿4 discos de estudio y un Ep, por igual número de discos en vivo y recopilatorios? Cómo es posible que una banda pueda seguir sacando dinero por las mismas canciones una y otra vez. Digo, si estan chidas las rolas pero ya estuvo ¿no? Y ahora salen con un disco Unplugged donde, otra vez, nos salen con las mismas cancioncitas. Sí, los arreglos estan bien chingones, las cuerdas quedaron increíbles, es más, me atrevo a decir que estas debieron ser las versiones originales, porque superan enormemente a sus predecesoras. Pero aquí la cuestión es ¿neta ya no pueden sacar discos nuevos? ¿Nos vamos a tener que soplar un disco en vivo y un recopilatorio entre cada disco de estudio? Piensenle, porque la industria musical sigue siendo muy cara como para seguir comprando las mismas dos canciones.

sábado, 19 de marzo de 2011

Adios a Rita Guerrero


A pesar de que ya son 3 las muertes que comento en éste espacio, me había negado a abrir una etiqueta para obituarios. Me desargada pensar en que las personas de las que pdamos hablar en estos espacios realmente mueran. No quiero entrar en discusiones de caracter filosófico sobre lo que entendemos con la muerte, sus simbolismos y detellos, los filósofos son bastante ineptos para hablar de ello. Ya se que más de uno dirá: Nietzsche, Schopenahuer, Cioran; pues yo diría: Paz, Borges, Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé, etc. La muerte se la dejo a los poetas, locos entrañables del mundo. Pero tampoco puedo dejar de lado el hecho de que muere gente con una valia incuantificable, y ese es el caso de Rita Guerrero.


Es una cosa como de sino inesquivable e inalterable. Conocí a Santa Sabina con mi amigo Ángel cuando apenas teníamos 12 años y estando con él, en la misma casa, me enteré de su muerte. Aquel día me había insistido durante las clases de un nuevo disco que recién había comprado y quería que al salir de la escuela nos fueramos a su casa a escucharlo, cosa que hicimos. Era el disco Santa Sabina (1992). Apenas lo puso y nos atrapó, las letras oscuras y depresivas iban de la mano con nuestra adolecencia azotada. Jovenes desencantados amantes del grunge y del reciente formado rock nacional.


Aquí bien vale hacer una pausa. La historia de nuestra múscia (en México) se resume en pocas líneas, pues si bien hay suficientes exponentes, al medirlos en tiempos historicos y trascendencias, no lo son tanto. En los 60's, además de la música vernacula y los boleros, sólo se consumia el rock and roll de Jerry Lee Lewis, Ritchie Valenz y posteriormente Elvis. No tardaron en llegar The Beatles, Dylan, Rolling Stones, etc. pero nuestra múscia, lejos de ser influenciada y animada a tomar la iniciativa, se limitaba a imitar. Malos covers con pésimas traducciones era lo que se entendia por rock mexicano: Los Teen tops, Los Locos del ritmo, y una legion enorme de bandas basura que tuvierno enorme éxito, porque cantaban en español. No fue sino hasta los 70´s cuando se entendió que la gente no sólo quería que se les cantara en su idioma, sino que cantaran sobre sus realidades y surgió, con ello, el primer rock verdaderamente nacional. Bandas como Three souls in my mind, tomaron la batuta de dicho movimiento, aunque pronto entndieron la incongruencia de cantar sobre una realidad mexicana, teniendo un nombre anglosajon y decidieron llamarse simplemente, El Tri. Por supuesto que hubo muchisima gente en esto, kenny, Cecilia Tousaint (grande, grande, grande), El Haragan, Rockdrigo Gonzales, etc. Todo lo que se conoció como rock urbano, transito de la pasividad a la incapacidad de reinventarse y todo lo que lograron al abri espacios, también fue lo único. No quiero decir que fuera poco, pero tampoco que fuera suficiente. Hasta que llegó una banda llamada Caifanes en los 80's fue que todo cambió. Saul Hernandéz y compañia, hicieron una música de invitaba a cobijarse dentro de una identidad nacional y dejar de buscar refugio en las ideas inglesas y gringas. Si bien su discurso era panfletero y oficilialista, no se puede negar que ellos fueron los verdaderos responsables de lo que sucedio en México. En la Argentina ya estaba Soda Estereo y demás gente y acá, todo empezaba. Junto con Caifanes surgieron los grandes estandertes de el verdadero momento de rock mexicano: Caifanes, Café Tacvba, La Maldita Vecindad, La Lupita, La Castañeda, La Cuca, Juguete Rabioso, Tex Tex, Botellita de Jerez, estos dos últimos pertenecientes al rock urbano, y por supuesto Santa Sabina, la banda de Rita Guerrero. Todos sonaban a ellos, nada era igual. Caifanes abogando al misticismo de las etnias precolombinas, Café Tacvba abrazando el meztisaje y sus resultados, La Maldita contandonos la cotidianeidad de la urbe contemporanea, La Lupita y su rock ácido con reminicencias tradicionalistas, La Castañeda y su sonido profundo, La Cuda y su gran sátira al mundo, Juguete Rabioso y todo lo ambiguo, y Santa Sabina, nuestra banda depresiva, oscura y verdaeramente vampírica. Claro que siempre había mamadas en todo esto: Mana, Azul Violeta y cuanta madre fresa, fresa, fresa.


Rita es la heredera de Cecilia Tousaint y la madre de mujeres como Ely Guerra y Julieta Venegas, en su tiempo de vocalista de Tijuana No, otra banda increible. Con Rita no sólo se va el cuerpo, sino el talento y el compromiso con su pueblo. No quiero hablar de sus discos, esos todos los tenemos, todos cantamos: Estando aquí no estoy, Azul casi morado y tantos otros. Solo quiero decir que lamento mucho su partida y abrazo con todo lo que le debemos, nuestra generación quiero decir, su legado inigualable.


Hasta Siempre Rita Guerrero.




¿Cómo reponerse de la pérdida?...

sábado, 12 de marzo de 2011

Enjambre - Daltonico


Esta banda ha tenido un gran año, todo el 2010 fue periodo/plataforma de consolidación. No soy un gran aficionado a los discursos panfleteros y puñeteros de: hay que apoyar el rock nacional. Ni madres, hay que apoyar la música con calidad, exigir más: basta de comprar discos -caros, muy caros- por una pinche canción. Si le exigieramos más a nuestros músicos, hace años que Saul Hernandez se estaría dedicando a su familia y Bunbury, no se que haga ese wey, pero seguro lo estaría haciendo. O la otra, estarian haciendo música de calidad. Pero como les llenan sus presentaciones, sin importar la basura que venden, pos ahi siganle.


A que viene todo este pinche verborreo, pues a que dado que no sigo mucho la música que se hace en México, salvo honrosas exepciones, poco me entero de lo que sucede y de vez en cuando me llevo sorpresas. El rock mexicano está sufriendo otro de sus profundos báches, después de la gran generación, de la que sólo sobrevive Café Tacvba, y de la segunda explosión de la que lamento profundamente la desaparición de Zurdok, sólo nos queda Zoé, banda que si bien es buena, ya chale con su misma canción y con su mismo sonidito sacado de una pacheca de León, mientras escucha Revolution 9, de The Beatles. Ahora, en la era Indie, bandas como Austin TV llevan la mano, con un sonido Post-Rock muy cercano a Mogwai. Hello Seahorse, Juan Son, entre otros, está rescatando ese sonido. Pero en cuanto al Rock Alternativo, pocos representantes dignos tenemos: Adanowski, con su sonido Jazz parisino de los 30, Torreblanca, con sus guitarras duras, los maestros de La Barranca, con su sonido maduro y propositivo, y ahora, los Zacatecanos de Enjambre, levantan la mano, con un sonido fresco y relajado.


Daltonico es un disco muy ligero, lleno de grandes coqueteos al Pop. Temas romanticos, muy al estilo de las bandas españolas y un estilo de cantar que en más de una vez me recuerda a Rafael. No es mal pedo, pero la primera ves que escuche Visita, me cague pensando que el hijo de Rafael estaba lanzando carrera. Me gustó el tema no obstante la referencia. Los 12 cortes que componen el disco son bastante disfrutables, Madrugada, Intruso, Dulce Soledad, temas con una ondita bastante chida. Bien por estos chavos, ojalá no se queden en promesa y cumplan con una carrera larga y exitosa. Llevensela leve.


3 1/2 estrellas.

sábado, 5 de marzo de 2011

Gruff Rhys - Hotel Shampoo


Hace un par de semanas salió a la venta el nuevo disco de Gruff Rhys titulado Hotel Shampoo, y esto devido a la extraña manía que tiene de robarse los shampoos de los hoteles cuando está de gira, ¿quién no lo hace? yo sí. El caso no es mi cleptomanía ni la de Gruff, sino que este disco es verdaderamente una belleza, es extraordinario en todos sentidos. Esta es su tercera producción en solitario, dejando de lado, no sé si definitivamente o no, los Super Fury Animals y Neon Neon. Gruff es de esos artistas que no puede estar quieto, ha participado, entre otros, con gente como Damon Albarn en su proyecto Gorillaz y con los grandes, grandes, grandes de Mogwai.


Hotel Shampoo es un disco con una ondita bien chida. Poseedor de una vibra bien amigable capaz de poner feliz al más apatico de la fiesta. Apenas escuché los primeros acordes de Sensations in the Dark, me puse en onda para salir a reventarme. Sin duda es uno de esos discos que lo escucharan una y otra vez a todo volumen en su carro, mientras deciden a que antro, tugurio, pub, cantina de mala muerte, etc., entrar. Este corte fue con el que me enteré de la existencia del disco -Sensations in the Dark-, y de inmediato me dí a la tarea de conseguirlo. La verdad es que apenas lo obtuve me entró la desconfianza propia de los discos que lanzan sencillos tan arrolladores como lo es este, y es que resulta que dichos discos suelen decepcionar, porque no aportan más de una o dos canciones buenas. Este no es el caso, las 13 canciones estan muy bien logradas, desde la canción inicial Shark Ridden Watters hasta Rubble Rubble, todo el disco está muy bien equilibrado. Con un sonido alternativo/indie muy cercano a algunas cosas de Blur y con una energia fresca y melódica tipo Franz Ferdinand. Musicalmente es un disco independiente, sus referencias son guiños y nada más. Las letras: memorables. La energía: inigualable. Temas como la mencionada Shark Ridden Watters, la balada Take a Sentence, la retro Christopher Columbus, que recuerda un mucho el primer sonido de los Flamig Lips y sin duda, la balada para desgarrarse Vitamin k y la dos veces mencionada Sensations in the Dark se llevan toda la gloria. Llevensela leve.
P.D.: Si alguién me puede explicar que pedo con ese mariachi japones me dice... es la onda.


4 estrellas.

sábado, 26 de febrero de 2011

Vicentico - Sólo un momento


Esto, más que una entrada más, donde hablaré sobre un disco en particular, es una pago a una deuda. No soy un gran aficionado al ska y menos al rock que se hace en la actualidad en Argentina, de ahí, mi desconocimiento de los más recientes lanzamientos. La repetición de las fórmulas me hacen alejarme de las cosas y eso me pasa con ese país que nos ha dado tanto en la música y sobre todo en las letras. El pasado fin de semana, en una reunión que versaba sobre cosas que no vienen al caso, mi amigo Victor, me daba algunos comentarios sobre el disco de Piedad Ciudad, de La Barranca, en el más puro estílo que suele hacerlo, al final, como él dice: los amigos no están para sobarse los egos. En esa charla y sabedor de mi desconocimiento en el ska, me recomendo que escuchara el disco Sólo un momento, de Vicentico. Adelantandose a mi renuencia, advirtió que no era un disco de ska y que por el contrario lo consideraba un disco redondo (auí un guiño por los comentarios que sucitó tamaña aseveración). Aquí estoy pues, una semana después, hablando de un disco que salió el año pasado y que considero uno de los mejores discos que he escuchado en toda mi vida, proveniente de aquel país al que tanto sueño conocer.


Sólo un momento es un disco de doce obras maestras de la prosa musical argentina. Desde el primer corte (desde ya mi favorito: Ya no te quiero) este disco es capaz de dejarnos con la boca abierta. Una a una, las canciones nos llevan a momentos, lugares y situaciones, de una belleza admirable. la segunda canción (Sólo un momento), es tan rica en todos sentidos, su musicalidad, la armonía, los compases precisos, la letra más que entrañable, que dan ganas de detener el disco y regresar. Uno sabe que está ante un gran, gran disco, y apenas van dos canciones. No me detengo más en el álbum. Todas las canciones son extraordinarias: La carta, Cobarde, Morir a tu lado (ufff), Escondido, Sabor a nada, El otro y las ya mecnionadas Ya no te quiero y Sólo un momento.


Si por ahí queda algún despistado que no tenga ya éste disco, deje de leer esto en éste instante y salga a comprarlo. Vicentico, que ya era grande por el glamur de Dios, sus discos con Los Cadillacs son extraordinarios, aunque, en lo particular, no me gustaban sus primeros discos solistas, ahora, con este monumento, entra en la línea inmortal de la tradición argentina de Spinneta, Charly García, Fito, Calamaro y un corto etc.


4 1/2 estrellas.

viernes, 18 de febrero de 2011

Radiohead - King of Limbs


La espera llegó a su fin y el tan ansiado nuevo disco de Radiohead ya está aquí. Lo prímero que vino a mi mente fue el libro de La Rama Dorada de Frazer, obra ansilar de la antropología moderna, donde se nos narran toda clase de mítos de las culturas más sorprendentes. Y vino a mi mente esta obra, particularmente por la portada, al ver esta suerte de espíritus del bosque, y el título en sí: King of Limbs (El Rey de las Ramas); así es, porque por ahí ya ví que muchos lo tradujeron como el rey de los brazos, a ellos, un diccionario donde se incluya más de una ascepción lingüística.


Después de escuchar el disco (como un enfermo) un par de veces seguidas y una más, mientras estoy escribiendo esto, puedo decir que lo volvieron hacer. Es sin duda un gran disco, lleno de texturas y matices sorprendentes, por momentos suena al Amnesiac, pero sin duda, pertenece más al periodo In Rainbows. Existen cíclos que no se cierran, que dejan algo guardado y que nunca se termina de decir o al menos, no se dice plenamente. Esa es la sensación que me deja éste disco, donde el sonido Trip-hop está muy presente. Aunque si tengo algo que no me deja abandonarme por completo a él, como cuando salió el disco anterior, y es que la mayor influencia que encuentro en éste material, es la del disco solista de Thom Yorke (The Eraser), material que en lo particular, es el que menos me gusta. Incluso en el primer sencillo que se desprende (Lotus Flower) vemos a un Yorke solo, abandonado a su delirio solipsista (cosa que no está nada mal).


Regreso al disco; 8 cortes de una manofactura increible, pasajes de plástica pura, imágenes boscosas y densas. Loops precisos e hipnóticos. La voz de Yorke como siempre: categórica. Las capas sonoras que crea Greenwood (Jhonny) recuerdan mucho al Kid A; Ed, Collin y Phill, igualmente brillantes, redondean una atmósfera con su talento inigualable. Give up the Ghost, Little by little, Feral y Lotus Flower son temas bastante buenos; empero, las palmas son para Separator y Codex, dos cortes grandes, grandes, grandes (según yo, of course).
4 estrellas.

sábado, 12 de febrero de 2011

Mogwai - Hardcore will never die, but you will


La banda escocesa de Mogwai regresan con un disco como sólo ellos puede hacer. Hardcore will never die, but you will es un album lleno de texturas inimaginables y canciones increibles. Todo lo que sabemos de Mogwai está perfectamente resumido en este disco; desde las guitarras poderosas de Young team, pasando por lo melodicamente perfecto del Happy songs for a happy people, hasta las armonías inugualables del The Hawk is Howlling.


Mogwai es sin duda una de mis bandas favoritas del Post-Rock, género del que poco les comparto, pero esta es una ocasión inmejorable. Este es el septimo disco de estudio y no exagero si digo que cada uno de ellos es una obra de arte por sí misma. Aunque Hardcore... guarda una sutil diferencia con los trabajos anteriores, y es que, apenas tres canciones superan los seis minutos, cosa que hace de este disco, su trabajo más accecible. White Noise, Letter to the Metro y George square thatcher death party, son monumentales: exitos inmediatos. Mexican grand prix, How to be a warewolf y Too raging to cheers, merecen atención aparte, igual que el resto del disco. 10 canciones que bien merecen la pena.


Considerada una de las bandas más ruidosas en vivo, prueba de ello el disco anterior Special Move (2010), donde reunen sus grandes éxitos en una grabación impecable, son, junto con Goodspeed you! Black Emperor, Thee Silver Mnt. Zion, Sigùr Ros y Múm, lo mejor que puede haber en este momento.


4 estrellas

sábado, 5 de febrero de 2011

Pearl Jam - Live on Ten legs


Cuando la gente me dice -dado que no he tenido la oportunidad de escucharlos en vivo- que Pearl Jam es una de las mejores bandas sobre un escenario, no tengo mucho de donde agarrarme, pero tampoco lo dudo, puesto que sus discos en vivo anteriores, son quizá de lo más destacado, en cuanto a grabaciones así se refiere. Este año, Pearl Jam decidió festejar sus 20 años de trayectoria con un nuevo lanzamiento, recopilado a lo largo de sus giras desde el 2003, hasta la fecha. La potencia de los oriundos de Seatle es inegable, cada canción es ejecutada con una maestría asombrosa, las fuera vocal de Veder sigue cautivando. Sin embargo, creo que un disco en vivo que pretenda festejar dos décadas de camino andado, debería contar con un amplio abanico de material. Este disco se acerca más a la gira de promoción del backspacer que un disco que celebre su carrera. Muy pocos éxitos notables como Jeremy -quizá la mejor canción de los 90's, o por lo menos la mejor canción del grunge seguro-, Alive, In Hiding, Just Breath y los sencillos del último disco Unthought Know, The Fixer, Get Some, algunas canciones más escondidas de su repertorio y es todo: 18 canciones que suenan a un Pearl Jam de cualquier concierto -que no es poca cosa- y no un disco que debería, en el peso mismo de su origen, mostrar todo lo que esta banda le ha dado a la música y por lo cual se le considera una de las mejores bandas de la historia.


3 estrellas.

sábado, 29 de enero de 2011

La Barranca - Piedad Ciudad


Este disco salió hace ya, algunos meses, pero el rescate es inevitable. Debo confesar que soy un fiel admirador de esta banda liderada por José Manuel Aguilera, guitarrista virtuoso y poseedor de una sensibilidad única en cada uno de sus riff's y de sus fraseos. Piedad Ciudad es el disco que le sigue a Providencia (2008), disco que en su momento les compartí y también a Construcción (2008). Podría decirles que este disco esta mucho más maduro -sonoramente hablando- que el anterior, con lo que estaría mintiendo. Esta banda se ha caracterizado por su madurez desde su primer disco (El fuego de la noche, 1995). Pero lo que si puedo decir, es que este disco regresa más al sonido sólido que los caracteriza, alejándose de las texturas etéreas de los trabajos anteriores. Las letras siguen siendo maduras, fruto de un genuino acto de reflexión, de juicio crítico y nada panfeltero. Esta banda de rock alternativo es considerada en México como una banda de culto, con lo que no se que quieren decir, se que es una banda de proyección limitada a algunos círculos, dado que algunos de sus discos, han sido editados, desde casas independientes como Opción Sónica, Mánicomio, disqueras uneversitarias como el caso de la U. de G. y las grandes como BMG/Ariola, tal vez de ahí que poca gente conozca a este banda. Aunque me queda claro que ellos están sumamente cómodos en esta postura, alejada de los grandes reflectores y que sus actos sean en teatros pequeños, cosa que uno como auditorio lo agradece, dada la intimidad de las actuaciones.


Piedad Ciudad es el octavo disco de este grupo donde el mismo Aguilera, Alfonso André, Federico Fong, Adolfo Romero y Ivan Nass, nos sorprenden con 12 cortes, todos excelentes, llenos de guitarras y estructuras solidas, el bajo preciso -como suelen hacerlo- y profundo, André es una garantía en la batería. Todo el conjunto es una gran experiencia, desde el primer acorde de En el fondo de tus sueños, hasta el último de Edén los harán gozar de un disco de gran calidad. La lengua del alma, indestructible, Jamás debí volver son grandes temas.


4 estrellas.


sábado, 22 de enero de 2011

Syd Barret - An introduction to Syd Barret


Hace unos meses salió el disco An introduction to Syd Barret, que es una recopilación de sus grandes éxitos, tanto en su era Pink Floyd, como en su carrera solista, este disco también incluye algunos cortes que recientemente mezcló David Gilmur. Escuché este disco y fue maravillarme con el talento descomunal de este hombre, canciones como Arnold Layne, See Emily play, Octopus, Dark Globe, entre otras, son testimonio fiel de la creatividad desbordada del fundador de los Floyd. Tengo varios amigos que sólo son fanáticos de esos discos de Floyd, yo en lo particular disfruto de la banda hasta el disco The Wall, pero coincido en que Barret era el gran genio detras del Floyd. Las versiones que ofrece Gilmur no desmerecen, claro, es difícil aceptar versiones nuevas de obras de arte, sería como aceptar a una Gioconda nueva y sin embargo la desacralización que hizo Duchamp de ella nos muestra que siempre podemos refrescar las cosas, cuando existe un sentido detrás. 19 temas que los harán viajar de una era a otra, de una textura a otra y sin necesidad de ácidos... larga vida para la obra de Barret.


viernes, 14 de enero de 2011

The Beatles - Revolver


Pues yo sigo en el rescate de música, y sí, algo tiene que ver que este mes todavía no doy con algo que me atrape. Si alguien tiene sugerencias, igual me estoy perdiendo de algo, por favor dígamelas. Mientras tanto, quiero hablar sobre uno de mis discos favoritos de todos los tiempos: Revolver.


Muchas veces uno hereda las cosas, pero con el paso del tiempo, las interioriza y las vuelve propias. Cuando a mis 17 años, después de haberlo escuchado toda mi vida, una tarde me senté sin nada que hacer, a escuchar el 7 disco de The Beatles, todo cobró un sentido inesperado y no menos intempestivo. Todas las texturas y estratos sonoros me sobrecogieron. Mucha gente habla de la maestría del Pepper, y claro, yo no soy nadie para negarlo, pero lo que si me permito decir, es que como conjunto, este disco lo supera. Si bien el Pepper alcanza picos inigualables como A day in a life, Lucy in the sky with diamonds, Whitin you whiout you, Being for the benefit of Mr. Kite! y otras, siento que se pierde en la experimentación propia que buscaban, tendiendo a la redundancia, y por el otro lado, Revolver es un disco que desde la acidez de Taxman, hasta el viaje ácido de Tomorrow never knows, es un viaje continuo, redondo, sin asperezas en el camino. Las cuerdas de Eleanor Rigby, la psicodelia de I'm only sleeping, la rugosidad sonora de Yellow submarine, la cadencia de And you bird can sing, y la melancolía de For no one, hacen de este disco una gloria en la historia del rock. Inclusive las canciones menos apreciadas, son grandes temas: love you to, Dr. Robert, Here, there and everywhere, etc.


Mención aparte merece la portada del disco, que partiendo de ahí, encontramos todo lo que no había hasta esa fecha. Sin duda alguna, Revolver (1966) fue el inicio de la verdadera carrera de los Beatles. No estoy despreciando los trabajos anteriores, son un éxito comercial y estos tipos, demostraron que con las reglas que había, eran capaces de revolucionar el mercado, pero cuando crearon sus propias reglas, revolucionaron toda la música. Yo incluiría el disco Rubber Soul, en todo esto, dado que siempre he pensado, que el Rubber y el Revolver, son el mejor disco doble de la historia... junto con el cotidianamente conocido como: The White Album.


domingo, 9 de enero de 2011

40 años de Aqualung


En la historia de la música han existido infinidad de revoluciones, si tan sólo nos ponemos ha pensar lo que ha pasado desde la invención de los primeros tambores, liras, arpas y demás instrumentos musicales, hasta la llegada del Post-Rock y bandas como Godspeed you Black Emperor, no habría enciclopedia capaz de reflejar, de manera fiel, lo ocurrido, todo lo contenido, sus ramas y retuerces. El mundo que conocemos como Rock, no terminaba de nacer, cuando The Beatles ya le había dado la vuelta 3 veces, Dylan ya había puesto y quitado reglas a placer, The Rolling Stones, The Cream y The Who, escandalizaban a propios y extraños. Robert Frip con King Crimson y Syd Barret con Pink Floyd, inventaban imaginarios sonoros, tan retorcidos (Frip el progresivo y Barret el psicodélico) como sus mentes. Clapton, Page, Hendrix, Gilmur, definían toda una actitud con el sólo uso de una trozo de madera, seis cuerdas y un par de magnetos que conducen, mediante amplificadores, todo un lenguaje tan complejo como hermoso. Zepellin, Sabath, todos parte de la historia, todos abriendo caminos, todos descubriendo horizontes y llevándolos más allá, siempre una nota más allá.

En 1968 apareció otro de esos tipos que le darían vuelta a todo: Ian Anderson. Jethro Tull aparecía en escena conducido por este hombre, que llevaba como arma: ¿una flauta? Sí, una flauta, y con ella, toda una escuela de Jazz. Anderson fusionó los sonidos de su vieja escuela con la diversidad musical de su tiempo, creando una experiencia extraordinaria de improvisación musical, acompañada de brillantes ejecuciones en todos los instrumentos, dando como resultado un mundo de pasajes multicolor y texturas inasibles, llamado simplemente This Was.

Pocos grupos pueden afrontar la salida y entrada de miembros, pero Jethro Tull viene del jazz, donde las alineaciones nunca son fijas, o al menos los son por poco tiempo. Los movimientos de Jethro no sólo se da en los miembros, sino en su sonido, a cada incorporación, le sobreviene un nuevo camino por andar. Esta es una de las bandas que se reconstruyen a cada disco, incluso en cada tema, siempre existe la sensación de que es otra banda, otro momento.

Y precisamente es uno de esos momentos de ruptura y cambio sonoro, el que me sentó ante esta maquina a escribir, mientras repaso, uno a uno, los temas de Aqualung, su cuarto disco (This Was 1968, Stand up 1969, Benefit 1970), ahora en su 40 aniversario. En 1971 aparece con una portada lúgubre y perturbada, que nos muestran a un indigente de aspecto terrorífico, en un callejón oscuro, rodeado de muros grises. 11 temas de plagados de onirismo, desde Aqualung hasta Wind-up, este disco resulta un viaje increíble de apenas 43 minutos. En este disco es donde se empieza a ver el sonido único y original de Jethro, sus tendencias a recrear mundos medievales, alejándose de la vorágine de los 60’s. Todavía están las guitarras rasgadas, las baterías armoniosas, el bajo punzante, pero ya no es lo mismo, es otra cosa que en ese momento, debió resultar en un estado de incredulidad permanente. Cross-eyed Mary, Mother Goose, My God, Locomotive Breath y las ya mencionadas Wind-up y la monumental Aqualung, hacen de este disco una delicia, un clásico infaltable en toda discoteca de quién se aprecie de escuchar buena música.

lunes, 3 de enero de 2011

Los mejores 10 del 10

Este año ya acabo y el nuevo trae consigo nuevas expectativas en la música ¿Saldrá por fin el nuevo disco de Radiohead? ¿Será el año de Tool? ¿Terminarán las vacaciones de The Mars Volta? ¿Estará listo el DVD del concierto 20/20 de Café Tacvba? Hay suficientes razones para pensar que será un buen año, lleno de grandes discos y muchos DVD's, que llegarán buenas bandas a presentarse en México y por cierto, ya no mamen, que ya salga disco de Austin Tv, por favor.

Les dejo la lista de lo que a mí parecer, son los mejores 10 discos del año. Están puestos sin ningún orden, con excepción de los primeros dos y el último. Aclaro pues; el primero (Them Croocked Vultures) si bien salió en a finales del 2009, yo lo reseñe en enero del 2010, que fue cuando lo escuché y el segundo (Slash) es una fe de erratas, este disco cuando lo reseñe, mencione que era bueno pero que sentía que carecía de dirección. ME EQUIVOQUE. Puta madre que bien se siente, jeje, es que quería decir esto hace mucho, aunque a fuerza de no ser tan severo conmigo, no creo haberme equivocado, dicho de una manera más correcta: creo que me adelante, me precipite un poco. El disco de Slash es una joya, quizá el mejor del año, sino fuera por que el disco de los Croocked es una madre del tamaño del Zeppelin I -aunque me hagan getas y de pendejo no me bajen-, el disco del ex-Gn’R, estaría en el lugar de honor, y por último, el de Yoko Ono, sí, consciente soy de que seré uno de los pocos en toda la red que dirá que un disco de esta mujer queda entre los 10 mejores, pero eso si es a capricho y si alguno no lo escucho todavía, déjense de pendejadas y rencores Beatlemaneros y escúchenlo. Los demás también me fascinan, de tal manera que me resulta imposible decir cual es mejor que otro. Quienes sí merecen una mención aparte son los Deftones con su disco Diamond Eyes y Mudvayne, estos dos discos de Metal son extraordinarios; también el disco de Robert Plant, para los amantes del Blues. Otras menciones, el disco Valley of Neptune de Hendrix y el Croweology de The Black Crowes. Llévensela leve.


1.- Them Croocked Vultures – Them Croocke Vultures
2.- Slash – Slash
3.- The Dead Weather – Sea of Cowards
4.- Charlotte Ginsburg – IRM
5.- Unckle – Where did the night fall
6.- Clapton – Clapton
7.- Tom Petti – Mojo
8.- Stone Temple Pilots – Stone Temple Pilots
9.- Jackob Dylan – Woman and Country
10.- Yoko Ono – Between my head & the sky